„Paris Texas“, vor 40 Jahren Premiere von Wim Wenders‘ Film in Cannes (Palme d’Or)

Vor genau vierzig Jahren (er kam jedoch am 6. Dezember 1984 in die italienischen Kinos) „Paris, Texas“ von Wim Wenders feierte seine Weltpremiere (und das in ausgesprochen verhaltener Konkurrenz). Filmfestspiele von Canneswo ihm die Jury unter Vorsitz des Schauspielers Dirk Bogarde eine vielbeachtete Auszeichnung verlieh Goldene Palme. Es war der zehnte Spielfilm des großen deutschen Filmemachers, der mit „ «Perfekte Tage» (sein bester Film seit mehreren Jahren) und derjenige, der seinen am ehrgeizigsten besiegelte Amerikanischer „Drift“.die in Italien mit der Adaption eines berühmten Romans des amerikanischen Schriftstellers aus dem Jahr 1977 mit „The American Friend/Der Amerikanische Freund“ begann. Patricia Highsmith und dann weiter mit dem Meisterwerk „The State of Things/Der Stand der Dinge“ (1982, Goldener Löwe in Venedig) und dem sehr unruhigen „Hammett – Investigation in Chinatown/Hammett“, produziert von keinem Geringeren als Francis Ford Coppola.

„Paris, Texas“ fasste die Essenz der amerikanischen Landschaft in der Beschreibung der menschlichen Zerbrechlichkeit zusammen, eine Form des Geschichtenerzählens, die für Wenders sogar berührend und sicherlich bisher unveröffentlicht war. Was in seiner Erkundungswanderung das ist, was man heute als a bezeichnen würde Erzählung über die „offene Welt“. es überlagerte die lediglich „geografische“ Reise in diese mythische Länder (von dem Moment an, als er erklärte, sein Leben sei «vom Rock’n’Roll gerettet» worden) auch eine Idee davon rein interner Weg. Ein Zeugnis weniger für Wenders bereits proklamiertes technisches Können als vielmehr für seine bisher nur angedeutete Fähigkeit (z. B. in „Alice nelle città/Alice in den Städten“, genau zehn Jahre zuvor), a entwaffnende und tiefe emotionale Einfachheit In einem Geflecht aus Bildern/Visionen nahm der Film seine eigene Gestalt an das Risiko der Rhetorik und sogar von „Banalität“, um die Probleme der Isolation anzugehen, und von bewusster Selbstverlust gefiltert durch einen Weg der Erlösung, der von der komplexen Dynamik familiärer Beziehungen geprägt ist und hier praktisch zum ersten Mal thematisiert wird. Alle fielen in die strenger Hintergrund (aber manchmal visionär und immer zutiefst eindrucksvoll) der Gebiete des amerikanischen Südwestens.

„Paris, Texas“ beginnt mit dem Bild von Travis Henderson (Harry Dean Stanton), einem benommenen und scheinbar stummen Herumtreiber Wandern in der trockenen Wüste an der Grenze zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten. Nach einem Ohnmacht An einer Tankstelle findet der Arzt, der ihm geholfen hat, unter seinen wenigen Sachen die Adresse seines Bruders Walt (Dean Stockwell), der sich ihm, über die Situation informiert, anschließt Bring ihn zurück nach Los Angeles und ihn mit seinem kleinen Sohn Hunter (Hunter Carson) wiedervereinen, den er in den vier Jahren seiner Abwesenheit mit seiner Frau Anne (Aurore Clément) nach seiner Mutter Jane (Nastassja Kinski) großgezogen hat offenbar verschwundenEr hatte es ihnen anvertraut. Während Travis mühsam versucht, wieder Kontakt zu dem Kind aufzunehmen, das ihn nach anfänglichem Zögern liebt, werden seine Vergangenheit und die Gründe für seine Flucht Nach und nach offenbaren sie sich: Sie sind mit dem Ende der Beziehung mit Jane verbunden, die, wie ihre Schwägerin ihm anvertraut, jeden Monat eine Zahlung für ihren Sohn von einer Bank in Houston, Texas, leistet.

Travis beschließt daher, sich auf die Suche nach Jane zu machen und nimmt Hunter mit: er wird herausfinden, dass seine Frau in einem arbeitet schäbiger Ort von Kabinen für «Peepshows», in denen man über sich selbst hinaus auftritt geheimer Spiegel was verhindert, dass Kunden die Show sehen können. Er wird in dieser Umgebung einen Weg finden, ein letztes Mal verzweifelt mit ihr zu reden und ihr das Kind zurückzugeben, bevor er sich wieder in seinem verliert ziellos umherwandern. In Zusammenarbeit mit dem großen Dramatiker geschrieben Sam Shepard und LM Kit Carson, „Paris, Texas“ (der Titel stammt aus einer Aussage von Travis, der seinem Bruder verrät, dass er in der texanischen Stadt illo tempore ein kleines Grundstück gekauft hatte, von dem seine Mutter ihm anvertraute, dass sie es gekauft hatte konzipierte) Adressen in linearer Reihenfolge und oft mit metaphorische Überschüsse Schlüsselthemen der Existenz: Isolation (Travis’ Reise durch die Wüste ist fast eine Allegorie für seine innere Verwüstung auf der Suche nach einem Sinn für den Zustand der Dinge, wobei die Weite und Leere der Landschaften als emotionale Visualisierung von ihm mitschwingt Gefühl der Verlassenheit aber auch von seinem verzweifelten Wunsch nach Verbindung); Rückzahlung (Der Versuch des Protagonisten, sich, wenn auch nur vorübergehend, wieder mit seinen intimsten Zuneigungen zu vereinen, symbolisiert den Wunsch, seine vergangenen „Sünden“ – wie Eifersucht, Apathie und Alkoholismus – auf einer inneren Reise zu sühnen Selbstvergebung und Versöhnung); die – teilweise – Übernahme von Verantwortung (Travis’ ist eine Art komplexer, schmerzhafter und „klassischer“ SSelbstanalyseprozess mit der man sich seiner Vergangenheit stellen und die Last der Konsequenzen seines Handelns akzeptieren kann); die familiären und sentimentalen Interaktionsmechanismen (wenn sich die Bindung zwischen Travis und Hunter aus anfänglichem Misstrauen und Distanz zu einem entwickelt authentische späte Zuneigung, die zwischen Travis und Jane befasst sich mit der Komplexität/Enormität der Konzepte Liebe, Vergebung und Verlust. Und ihre vielfach kritisierte und erschöpfende Endkonfrontation, getrennt durch ein unsichtbares Diaphragma, ist eine kraftvolle und doch „einfache“ Visualisierung ihrer emotionale Barrieren und des Schmerzes, der sie trotz allem trennt).

Die vielen ablehnende KritikerIch nenne als Haupt-„Mängel“ sowohl die enorme Länge des Films (zweieinhalb Stunden) als auch eine Handlung, die eigentlich hätte sein können in der Hälfte der Zeit synthetisieren Sowohl die moralische Undurchsichtigkeit des Charakters von Travis, dessen Weg zur Abrechnung nur egoistisch und widersprüchlich ergebnislos zu sein scheint, haben sie immer zu sehr auf den „thematischen“ Aspekt“ konzentriert (sowie auf die Die Autorenvoraussetzung von Wenders) und zu wenig auf das rein Ästhetische. Sie hatten nicht ganz unrecht: Die Meisterwerke des Regisseurs sind zweifellos andere. Doch heute erneut gesehen, glänzt der Film vor allem durch die Beherrschung der Inszenierung, durch die Sehr gute Casting-Auswahl (Stanton befindet sich hier auf einem der Höhepunkte seiner Karriere, gleich nach seinem sehr kurzen, aber unvergesslichen Auftritt in „The Straight Story“ von David Lynch aus dem Jahr 1999; Nastassja Kinski – damals erst zweiundzwanzig – strahlt immer noch a aus unreifer und schmerzhafter „empathischer“ Magnetismus dass Wenders es versteht, mit dem wunderbaren Licht seines engen Kameramanns Robby Müller zu streicheln), für die Schaffung von Atmosphären, die nur scheinbar realistisch und in der Realität immer von einem durchdrungen sind fast metaphysische Klarheit Sohn der großen amerikanischen Malerei des 20. Jahrhunderts (Edward Hopper, Norman Rockwell, Andrew Wyeth, Georgia O’Keeffe) und unterstrichen mit Lyrik von gruselige Slide-Gitarre was Ry Cooders einprägsamen und „sparsamen“ Soundtrack dominiert. Was in einem Klanglandschaft im Wesentlichen dominiert von Umgebungsgeräusche und Stilleerweist sich als natürliche Erweiterung des visuellen Horizonts und findet ein innige Resonanz mit den Psychologien der Charaktere.

19. Mai 2024

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