Interview mit Kurator Udo Kittelmann

Zu den vielen Veranstaltungen, die Venedig im Jahr 2024 prägen, gehört die Ausstellung Löwe Gottes von Walton Ford darf nicht fehlen. Gastgeber ist die Venezianische Universität der Wissenschaften, Literatur und Künste, ein wichtiger Ort für die Stadt Venedig, nicht nur wegen der Schönheit des Gebäudes, in dem sie untergebracht ist (die Scuola Grande di San Fantin, nur einen Steinwurf vom Teatro La Fenice entfernt). aber vor allem für seine wertvollen Kunstsammlungen. Genau zu einem großartigen Werk von Jacopo Tintoretto (Die Erscheinung der Jungfrau vor dem Heiligen Hieronymusca. 1580), die die Bibliothek der Universität Venetien schmückt, sind von den neuen Gemälden des Amerikaners inspiriert Walton Ford (Larchmont, 1960), die daher die Qualität ortsspezifischer Werke in einem konkreten Dialog mit dem Werk des venezianischen Meisters annehmen (ausnahmsweise während der gesamten Ausstellungsdauer in der Sala Tommaseo ausgestellt). Weder die Jungfrau noch der heilige Hieronymus sind die Protagonisten von Löwe Gottes: Wie der Titel vermuten lässt, ist es der Löwe (ein Attribut, das den Heiligen in all seinen berühmtesten Darstellungen begleitet), der die Szene erobert und Fords Aufmerksamkeit auf nichtmenschliche Tierwesen folgt. Wir sprachen darüber mit dem Kurator der Ausstellung Udo Kittelmann (Düsseldorf, 1958), ehemaliger Direktor der Nationalgalerie in Berlin (zu der unter anderem die Alte Nationalgalerie, der Hamburger Banhof, die Neue Nationalgalerie und das Museum Berggruen gehören) von 2008 bis 2020.

Interview mit Udo Kittelmann

Beginnen wir mit einer rituellen Frage. Was bedeutet „Heilung“ für Sie?
Es bedeutet, sich um die Vorstellungskraft und Wünsche des Künstlers zu kümmern und ihm beim Aufbau einer Ausstellung zu helfen. Und vor allem: Führen Sie einen sehr intensiven Dialog mit ihm oder ihr. Schon zu Beginn meiner Karriere, als ich anfing, Ausstellungen zu kuratieren, habe ich verstanden, dass es wichtig ist, die Praxis eines Künstlers genau zu verstehen, um ihm helfen zu können. Man muss sein bester Kritiker sein, zumindest der ehrlichste.

Wie kam es zu Ihrer Zusammenarbeit mit Walton Ford?
Ich glaube, es war 2009, als ich seine Arbeit zum ersten Mal sah, und ich war sehr beeindruckt. Seine Werke haben mich sofort sehr angezogen: Auf den ersten Blick scheinen sie ganz anders zu sein, als man es normalerweise von zeitgenössischer Kunst erwartet, aber wenn man sich, sagen wir mal, mit den Problemen befasst, die Walton anspricht, werden sie äußerst zeitgemäß. Kurz nach unserem ersten Treffen, im darauffolgenden Jahr, lud ich ihn ein, seine erste institutionelle Ausstellung in Europa im Hamburger Bahnhof in Berlin abzuhalten. Ich erinnere mich, dass ich damals dafür sehr kritisiert wurde: Warum sollte man diese Art von Werk in ein solches Museum für zeitgenössische Kunst bringen? Dennoch verzeichneten wir am Ende der Ausstellung eine Besucherzahl von 140.000 Besuchern, obwohl Walton noch nicht so bekannt war wie heute. Daraus habe ich eine Lektion gelernt: Ein großer Teil der breiten Öffentlichkeit, die mit den neuesten Diskursen oder Theorien der zeitgenössischen Kunst im Allgemeinen nicht vertraut ist, ist davon abgestoßen.

Tatsächlich fiel mir als Erstes auf, dass Fords Werke eine alte Sprache zu sprechen scheinen. Vielleicht gelingt es ihnen dadurch, die Ansprüche der Gegenwart auch denen zu vermitteln, die mit den Codes der heutigen Kunst nicht vertraut sind?
Genau, und ihre Sprache ist auch sehr spirituell und etwas emotional. Irgendwie stimmen sie sich auf den Herzschlag des Publikums ein.

Die Spiritualität, von der Sie sprechen, bringt mich zur nächsten Frage: Walton Fords Werke sind tief mit dem Raum, in dem wir uns befinden, dem Ateneo Veneto, und seinen Sammlungen verbunden. Ich erinnere mich an die vielen Fälle, in denen Altarbilder aus den Kirchen und Kathedralen, in denen sie entworfen wurden, entnommen und dann in Museen dekontextualisiert wurden. Wie wird diese Walton-Ford-Serie überleben, wenn die Ausstellung beendet ist und in anderen Kontexten ausgestellt wird?
Die Gemäldeserie Löwe Gottes Es ist stark für die Universität Venetien und für den Dialog (und die Konfrontation) mit ihr konzipiert die Erscheinung der Jungfrau beim Heiligen Hieronymus von Tintoretto. Wenn diese Werke aus diesem Kontext herausgelöst werden, werden sie weiterhin ihr eigenes unabhängiges Leben und ihre eigene Wirkung haben. Sie in dieser Ausstellung zu sehen, ist jedoch sicherlich die beste Gelegenheit, ihre tiefe Verbindung mit Tintorettos großartigem Werk, den Umgebungen der Universität Venetien und Venedig selbst zu begreifen, da der Löwe das Symbol schlechthin der Stadt ist.

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Wie können wir die zeitliche Distanz zwischen Tintoretto und Walton Ford überwinden?
Es spielt keine Rolle, wie viele Jahrhunderte vergangen sind: Kunst erzählt immer die gleiche Geschichte. Es versucht immer (um Paul Klee zu zitieren), das Unsichtbare sichtbar zu machen, es geht um den Menschen als Geist, es geht um Emotionen, Liebe, Hass, Schuldgefühle. Aber das sind alles Dinge, die in der Geschichte der Menschheit zu finden sind und sich nicht ändern: Es sind die Menschen, die sich verändern, und das führt dazu, dass sie dieselbe Geschichte auf neue, für sie zeitgenössische Weise lesen.

Ich fand es interessant, wie Ford eine Nebenfigur wie den Löwen in der Geschichte des Heiligen Hieronymus untergräbt und ihn zum wahren Protagonisten der Werke macht. Will Ford uns sagen, dass wir unseren Platz in der Welt überdenken müssen?
Sicherlich. Im Allgemeinen versuchen Waltons Werke uns an unsere Arroganz zu erinnern und daran, dass wir als natürliche Geschöpfe der Grausamkeit, die uns auszeichnet, ein Ende setzen sollten. Ich möchte Spinoza zitieren, der sagte: „Die Idee des Ozeans ist immer in einem Wassertropfen enthalten. Wir müssen uns um den Wassertropfen kümmern, um für den Ozean zu sorgen“.

Die einzige Interaktion zwischen dem Menschen und dem Löwen in Walton Fords Werken stellt den Moment dar, in dem die Dornen aus der Pfote des Löwen gezogen werden …
Es gibt eine Darstellung der Beziehung zwischen den Arten, die auf gegenseitiger Hilfe, auf Harmonie und auf Liebe basiert. Dies lässt sich auch deutlich auf dem Gemälde erkennen, das den Löwen darstellt, der den Esel umarmt: Beim Betrachten kann man deutlich die Nähe zwischen den beiden Tieren erkennen.

Und darin liegt vielleicht der politische Charakter von Walton Fords Werken.
Waltons Arbeit ist sehr politisch: In seinen Werken versetzt er sich jedoch nicht in die Lage eines Menschen, der zeigt, was richtig und was falsch ist, der politische Diskurs erscheint nicht auf didaktische Weise. Sein politisches Kaliber geht organisch aus den Werken hervor, und das kommt heute in vielen zeitgenössischen Kunstwerken nicht mehr vor, die den Betrachter zum politischen Denken drängen wollen. Die Harmonie zwischen Esel und Löwe führt uns trotz ihrer Unterschiede dazu, über unsere eigene Natur nachzudenken: Warum können wir nicht friedlich zusammenleben?

Alberto Villa

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