Stimme von Yukiko Mishima. Die Rezension

Für Yukiko Mishima zählen nur die täglichen Mikrodramen des Lebens, die Wendungen (emotional, existenziell und sogar erzählerisch), die in den Maschen einer scheinbar unbeweglichen, ruhigen Routine Gestalt annehmen, in der sich der statische Verlauf von Zeit und Raum mit dem emotionalen überschneidet Universum von Charakteren, die völlig in ihrer Zerbrechlichkeit versunken sind. Fast so, als ob sie in einem stecken blieben Schleifen immerwährendes Trauma, das keinen Raum für jegliche Fantasie von Vitalität lässt, gerade weil es – zumindest auf den ersten Blick – weder einen Abschluss noch eine mögliche Lösung zu bieten scheint. Und im Falle eines Films wie Stimmegekennzeichnet durch drei Segmente, die nur thematisch (und daher nicht narrativ) miteinander verbunden sind, greift das Aufkommen der Trauer ein, um diese Fragen zu filtern: und das Bedürfnis seitens der Charaktere, die sie erleben, der Last davon nicht nachzugeben Leiden, das sie unaufhaltsam zu zerstören droht.

Obwohl die drei Geschichten, aus denen sich dieses Triptychon zusammensetzt, keine gemeinsame Figur haben, geschweige denn die Handlung, das Gefühl der Einheit und des Zusammenhalts Stimme Der Aufbau eines eigenen Plans ergibt sich aus der Gemeinsamkeit des gleichen Themas, vor allem aber aus der Selbstverständlichkeit, mit der diese Segmente die Bezugsthemen nach der gleichen dramaturgischen Strategie vermitteln. Obwohl die drei Protagonisten durch offensichtliche Unterschiede, sowohl persönlicher als auch rein identitätsbezogener Art, getrennt zu sein scheinen, ist es genau die „homologe“ Natur der Konflikte, die sie durchleben, und die eindeutige Richtung, in die der Filmemacher geht, was sie in Kontinuität zueinander bringt ihre Prozesse der traumatischen Auflösung. Aus dieser Perspektive ist der transsexuelle Vater (Maki Carrousel) nicht in der Lage, den Verlust seines Erstgeborenen zu verdauen, der Pastor mittleren Alters (der ikonische Shō Aikawa), der sich dazu verpflichtet hat, seine Beziehung zu seiner Tochter zu verbessern, und die junge Frau, die an den Folgen des Missbrauchs erstickt kindisch (gespielt von der außergewöhnlichen Atsuko Maeda von Zu den Enden der Erde) befinden sich alle in der gleichen existenziellen Verfassung, obwohl ihre Geschichten – sowohl das Leben als auch die „Erzählung“ – einzigartige und exklusive Wege verfolgen.

Hier ist dann Mishima, um ein Verkeilen zu vermeiden Stimme In den Inkonsistenzen (wie vorhanden sie auch sein mögen), in denen episodische Filme normalerweise zu versinken drohen, geht man von einer Teilung der traumatischen Matrix aus, um dem Konflikt eine materielle Konnotation zu verleihen, die somit nicht nur die physischen und „taktilen“ Merkmale annimmt, mit denen die Charaktere (und Zuschauer) können miteinander interagieren, aber es erscheint auch im Laufe der Zeit wiederholt, so dass es sich kontinuierlich kreuzt, wie ein roter Faden, die drei Segmente, aus denen die Erzählung besteht. So wird das Meer in den ersten beiden Teilen des Films zum Symbol des Traumas, zum szenografischen – und symbolischen – Element, das die Protagonisten an die Natur ihres Schmerzes erinnert und ihnen dank seiner Statik und … immanente Präsenz (im ersten Abschnitt im Feld visualisiert und in der folgenden Episode im Klanghorizont abgeschwächt), um sich mit der Materialisierung des Leidens auseinanderzusetzen, das sie heimsucht. Und gleichzeitig ein physisches Element anzubieten, das es der Geschichte ermöglicht, ein radikales Aufeinandertreffen der Kräfte darzustellen; und für diejenigen, die zuschauen, um emotional in einen Konflikt zu investieren, der zunehmend glaubwürdiger und zusammenhängender erscheint.

Eine Strategie, die gerade skizziert wurde, die im letzten Akt wiederkehrt – der umfangreichste und brillanteste von allen Stimme – in Form eines gezeichneten Bildes, mit dem Porträt des Gesichts der jungen Reiko, das in den Augen der Frau die eigentliche Matrix ihrer Meinungsverschiedenheit ans Licht bringt: nämlich die Schwierigkeit, die „Vaterschaft“ ihres Körpers wahrzunehmen. Und obwohl die beiden ersten Abschnitte deutlich flacher und weniger eindrucksvoll erscheinen als der letzte Teil, kanalisiert Mishima in der dritten Folge die besten Momente seines Kinos: bis er in der Komplizenschaft zwischen zwei emotional distanzierten Menschen das Rezept findet, mit dem er die Intimität aushöhlen kann von Seelen, die so gnadenlos einsam sind.