Nicht zu Unrecht, die jidaigeki (zu übersetzen als „historisches Drama“) und das Chanbara Sie waren galten lange Zeit als die repräsentativsten Genres des japanischen Kinos. Es überrascht nicht, dass lange Zeit etwa die Hälfte der Produktionen kostümiert waren. Im Laufe der Jahrzehnte gab es zwischen vielen Höhen und einigen bedeutenden Tiefpunkten – darunter die Nachkriegszensur und eine Ermüdung historischer Genreproduktionen, eine Folge der Krise der Filmindustrie im Land der aufgehenden Sonne im Allgemeinen – zwischen den Ende der Siebziger- und Neunzigerjahre kam es zu zahlreichen Neubetrachtungen und Kontaminationen mit anderen filmischen Tendenzen und Ideen: von epischen Tönen zu intimeren, von minimalistischem Experimentalismus zu eher politischen Werken, bis hin zur dialogischen Begegnung mit der Akrobatik von Wuxiapian Chinesisch-Hongkong, das Wildnis der westlichen oder europäischen dramatischen Innerlichkeit.
Anlässlich des Erfolgs der Show auf Disney Plus (hier ist unsere Rezension von Shogun) werden im Folgenden einige vorgeschlagen Werke über die Samurai, die unbekannt, aber nicht weniger relevant sind, chronologisch geordnet, von den 1940er Jahren bis heute. Es handelt sich zwangsläufig nicht um Titel, die absolut zu den besten Samurai-Filmen gezählt werden können – bereits seit Kurzem Gegenstand der 5 Samurai-Filme, die Sie sehen sollten, wenn Sie „Rise of the Ronin“ mögen –, sondern um fünf, die der breiten Öffentlichkeit weniger bekannt sind, darunter einer ist eine echte Wildcard-Wahl, um den Mut zu wagen und zum Nachdenken über den Status dieses Subgenres anzuregen. Alle, Es versteht sich von selbstkommt aus Japan.
Die Männer, die ihren Fuß auf den Schwanz des Tigers setzen
Es ist nicht einfach, nicht an Akira Kurosawa zu denken, wenn man über Samurai-Filme spricht. Dieser Name ist mit einigen der wichtigsten Titel des Genres und allgemeiner mit der Geschichte des Kinos des 20. Jahrhunderts verbunden. DER seinen frühen Werken wurde oft keine große Beachtung geschenktSie zeigen bereits in den ersten Tätigkeitsjahren – nachdem sie bei rund zwanzig Inszenierungen als Regieassistenten tätig waren – eine Ausdruckskraft und Poetik, die bereits über alle Maßstäbe hinausgeht. Darunter, Männer, die ihren Fuß auf den Schwanz des Tigers setzen (auch bekannt als Die Männer, die auf dem Schwanz des Tigers gingen) aus dem Jahr 1945 gehört, auch aufgrund seiner unruhigen Ereignisse, zu den unbeliebtesten: Der mit Behelfsmitteln gedrehte Film Er wurde sowohl von der örtlichen Militärzensur als auch von der amerikanischen Besatzungsmacht daran gehindert.
Bis zum Vertrag von San Francisco (1951, dem Jahr, in dem das japanische Kino endgültig seine Territorien verließ, um sich der Welt zu nähern) blieb das Werk im Wesentlichen unbekannt und als es im darauffolgenden Jahr in die Kinos kam, konnte es sich vor allem wegen seiner jahrelangen Produktion nicht etablieren vorher sehe ich vor Werken des gleichen Regisseurs, im Kino in diesem Moment „alt“ aus (Der Idiotbasierend auf Dostojewski, und kurz darauf Live).
Adaption eines Dramas Kabuki (wiederum einem Werk entnommen Nein (Ende des 15. Jahrhunderts) unterscheidet sich der Film vom Originaltext nicht nur durch einige eher komische Elemente, die für einen Text historischer Natur als unpassend angesehen werden, sondern vor allem durch den fast rebellischen Geist seines Autors. Kurosawa scheint darin Spaß zu haben Machen Sie sich über Macht lustig und verspotten Sie sie, eine Art fast unantastbare Heiligkeit, indem es die kritischen Themen einer Nation zeigt, insbesondere ihre kulturelle Vergangenheit und ihre Traditionen. Ein auf seine Weise revolutionäres Projekt (nur wenige hatten daran gedacht, bestimmte Dogmen in ein so schlechtes Licht zu rücken), ein Vorläufer von Themen und Charakteren, die in seiner Filmografie wiederkehren würden – wiederum mit Blick auf die künstlerischen Avantgarden, wie z als Expressionismus, der sich vor allem im Einsatz von Licht und Szenografie zeigt.
Zatoichis Geschichte
Der Name des blinden Samurai ist kein neuer Name für diejenigen, die eher mit dem zeitgenössischen orientalischen Kino vertraut sind: Zatoichi, Er war eine wichtige kulturelle Ikone seiner Zeit und stand im Mittelpunkt des gleichnamigen Spielfilms, bei dem Takeshi Kitano Regie führte und in dem er die Hauptrolle spielteplus ein weiteres Kapitel, das siebenundzwanzigste, der Saga als ein modernes Remake – es stehen achtundzwanzig Filme im Mittelpunkt Ronin (Samurai ohne Meister) Wanderer, alle mehr oder weniger unabhängig, auch wenn sie durch eine schwache, aber immer noch vorhandene Horizontalität verbunden sind. Der erste von ihnen, Zatoichis GeschichteDer 1962 von Kenji Misumi inszenierte Film arbeitet auf außergewöhnliche Weise an der Konstruktion der unruhigen Psychologie des Protagonisten, einer Art Bezugspunkt für das Publikum jener Jahre.
In einem historischen Moment der Rekonstruktionen, Desillusionen und Identitätskrisen für ganz Japan (im Mittelpunkt der Werke vieler anderer japanischer Autoren, wie unter vielen anderen Nagisa Oshima), verbirgt Zatoichi – ein großer Shintaro Katsu – das nicht Mehrdeutigkeiten und macht es noch labiler Grenze zwischen romantischem Idealismus und roher Dekadenz, zwischen Freiheit der Unabhängigkeit und verheerender Einsamkeit. Widersprüche derer, die schließlich keine echten Samurai sind und für sich selbst leben, spielen, aber bereit sind, die Schwächsten zu verteidigen, nicht aus Ehre, sondern fast aus einer Art Respekt vor denen, zu denen er wie er degradiert wird das Letzte”.
Die im ersten (besten) Kapitel der Serie beschriebene Welt ist schmutzig und korrupt, erzwingt Gewalt und verschont niemanden: perfektes Szenario sowohl für die actionreichere Show – vor allem in den Schlusszeilen, wo die Regie ihr Bestes gibt – als auch für den eher introspektiven Fokus, unterstützt durch einen hervorragenden Schnitt, der nie die Spannung aus den Augen verliert, die von den Details und den Gesten ausgeht . Während wir auf die unvermeidlichen Klischees dieser Art von Erzählung stoßen, Zatoichis Geschichte findet seine ideale Dimension vor allem in der direkten und prägnanten Einfachheit, die das Serienmodell bevorzugt.
Wo die Krähen fliegen
Wie bereits erwähnt, kreuzten sich im Laufe der Zeit die Wege des Samurai-Kinos mit verschiedenen Genres. L’Die Kreuzung mit dem Westen bot beispielsweise neue Ausdrucksmöglichkeiteninsbesondere zu Beginn der siebziger Jahre. Wo die Krähen fliegen (am besten bekannt unter seinem Originaltitel, Goyokin) ist ein perfektes Beispiel für diese Kontamination, auch aufgrund der Verwendung des Formats Panavision. Der Film von 1969, bei dem der nie genug gelobte Hideo Gosha Regie führte, nimmt trotz seiner Linearität das Beste aus den Filmkulturen der Zeit und nutzt es, um a zu inszenieren melancholische Ballade über die Ehre des Kriegers (die sogenannte Bushido) und darüber, was es bedeutet, ein Samurai zu sein, ein Schwert zu tragen und sich mit der Vergangenheit auseinanderzusetzen, die man nie ganz zurücklässt.
In Jahren, in denen die Inszenierung politischer Diskurse viel weniger riskant war, legte Gosha das Lob der Gewalt seines Kinos teilweise beiseite, um sich ganz der Sache zu widmen inneres Drama, auf der Suche nach Versöhnung und Frieden, behindert durch ein verrottetes System der sich fast ausschließlich für Finanzen interessiert und jeden Funken Menschlichkeit verliert. Eine Qual, die Geschichten miteinander verflechtet und an der mehrere soziale Akteure beteiligt sind, die alle von prekären Gleichgewichten gehalten werden, die bereit sind, tödlich auseinandergerissen zu werden.
Eine klare Dichotomie zwischen Gut und Böse ergibt sich daraus jedoch nicht (auch wenn Es ist der Ruf des Shogunats, der mit gebrochenen Knochen zum Vorschein kommtschuldig, gleichgültig zu bleiben und aus der Distanz zuzusehen), entfaltet sich die Untersuchung langsam in den Grauzonen der Moral, denn um in einem feindseligen Kontext wie diesem zu überleben, muss man sich vielleicht anpassen und beugen. Aber das allgemeine Gefühl der Verzweiflung wirkt sich nicht auf die Actionszenen aus, von denen sich einige mit sorgfältig durchdachten und eindrucksvollen Momenten strategischer Stillstand abwechseln, die mit strenger szenischer Sorgfalt gedreht wurden, die vor allem die Räume und die Position der Körper darin hervorhebt.
Warum spielst du nicht in der Hölle?
Auf den ersten Blick kann man nichts sagen, außer dass es sich hier um einen Samurai-Film handelt. Aber zwischen der Komödie, dem Rausch des Erwachsenwerdens und der Yakuza (da ist wirklich alles!) Warum spielst du nicht in der Hölle? Man kann ihn, wenn auch mit etwas Aufwand, als Samurai-Film bezeichnen, sicherlich unkonventionell, aber sehr zeitgenössisch. Das Kino seines Autors, des Sion Sono, der in Italien nur sehr wenig verbreitet wurde, ist es alles andere als klassifizierbar (und dies hilft bei der Katalogisierung seiner Werke, die dem einen oder anderen Genre zugeordnet werden können), niemals gezähmt und mit einer Persönlichkeit sui generis. Alle Merkmale sind im Film von 2013 vorhanden, in dem er einige der Höhepunkte seines Kinos erreicht (deren höchster Punkt wahrscheinlich immer erreicht wird). Liebe Belichtung) und reflektiert die Praxis des Filmemachens selbst. Unter anderem mache ich Samurai-Filme.
Sono beherrscht Charaktere, Geschichten und Bilder wie aus einem Lehrbuch und ist in der Lage, all diese Dichte zusammenzuhalten und dafür zu sorgen, dass sie präzise funktioniert, auch wenn es so scheint dass nichts unter Kontrolle ist und dass die Zügel freigegeben wurden. Sein Kino gleicht einer großen Karikatur, die jedoch, wie in diesem Fall, die japanische Kunsttradition nicht vergisst und den Samurai nicht mit nostalgischen Tönen, sondern mit einem postmodernen und frischen Ansatz huldigt. Und das letzte Duell ist das perfekte Beispiel dafür, wie man den Chanbara mit seinen eigenen Ideen ehren kann.
Außergewöhnlich, Warum spielst du nicht in der Hölle? Es übertreibt nicht nur die Kunst seines Autors, sondern sogar die Stilmerkmale der Samurai: Die vom Regisseur beschriebenen sind keine Krieger mit Ehre und Würde, sondern auch keine allzu schlauen Yakuza, die sich wie ihre antiken Gegenstücke kleiden, denen sie aber eher ähneln Parodie. Es wird kein Samurai-Film sein, wie traditionell verstanden wird, aber eher ein klarer Wahnsinn, der mit den Samurai spielt und Spaß hat. Und zumindest einmal, solange es nicht immer die gleichen Titel anbietet, könnte es so in Ordnung sein.
Tötung
Einen Film wie diesen können sich nur wenige Regisseure außer Shinya Tsukamoto vorstellen. Ausgehend vom Originaltitel Zan, was mit „Schnitt“ übersetzt werden kann: Im Zentrum stehen die Mittel, sich zu verteidigen, Fähigkeiten zur Schau zu stellen, aber auch zu verletzen, zu töten. Hier wird es durch das Schwert/Katana dargestellt, das, wie so oft in jidaigekiUnd nicht nur im Zentrum eines echten Kultes, sondern wird auch zu einer Erweiterung von Körper und Geist. Von Anfang an zeigt Tsukamoto solche Erweiterungen (das Schwert oder in diesem Fall die Maschine) immer als das Böse, das es abzuwehren versucht; ein Übel, das jedoch nicht immer ferngehalten werden kann und das in der Vergangenheit wie in der Gegenwart zu einer Deformation des Geistes und einer Entmenschlichung führt.
Sein zweites Kapitel der Trilogie über Gewalt und Krieg (begonnen mit Feuer in der Ebene und kürzlich abgeschlossen mit Schatten des Feuerseiner der Filme des Jahres 2023, die noch nicht in Italien veröffentlicht wurden) untersucht die Facetten der menschlichen Seele, die schmale Grenze zwischen Klarheit und Wahnsinn eine Ära des Übergangs – Das Ende der Edo-Zeit und der Beginn der Moderne in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entsprechen dem Beginn der Meiji-Ära mit all den Veränderungen, insbesondere moralischen und sozialen, die sie mit sich bringt – instabil und neurotisch wie der Stil eines Filmemachers.
Eine Augenkamera, oft von Hand, quält selbst in der scheinbaren Stille einen ausdrucksstarke Poetik, die die nervöse Krise des Blicks und der Psyche verstärkt, auch wenn, wie in diesem Werk, der Stil, zumindest im Vergleich zur Vergangenheit, raffinierter wird. Tsukamoto zerreißt Perspektiven auf Japans Vergangenheit, die stets von unterwürfigem Respekt durchdrungen sind, und verleiht ihnen seinen eigentümlichen, immer noch punkigen Mut. Ein interner Konflikt, der sich auf das Töten bezieht und die Fehler einer Welt widerspiegelt, die uns als gnadenlose, brudermörderische Maschinen (ein nicht zufälliger Begriff) sehen will, im Gegensatz zu einer Menschheit, die schwer am Leben zu erhalten ist.
