die 10 besten Länderpavillons

Er scheint etwas Geheimnisvolles über die menschliche Natur zu verstehen, enthüllt es aber nur teilweise KomponierenVon Yuko Mohri (Kanagawa, 1980) im japanischen Pavillon. Beginnend mit dem Parfüm: Die Ausstellung, kuratiert vom künstlerischen Leiter der neuesten Gwangju-Biennale Sook-Kyung Lee, ist darauf ausgelegt, auf vielfältige Weise auf das Publikum zu „reagieren“, unter anderem indem sie einen feuchten Blumenduft verströmt. Der Raum ist ein merkwürdiges Mosaik aus Wasserskulpturen, die in Anlehnung an den japanischen Brauch, Lecks mit provisorischen Mitteln zu verstopfen, das Wasser in unvorhersehbare und praktisch musikalische Bahnen lenken: Regenstiefel, Regenschirme, Glühbirnen und Ventilatoren zeichnen zarte Choreografien nach. flankiert von verrottenden Früchten, an denen Elektroden angebracht sind, um die Impulse in Musik umzuwandeln. Die bizarre und verspielte Polyphonie all dieser Elemente in einer Art „großem Brenner“ führt zu einer umfassenderen Reflexion über die Balance zwischen Kunst und Leben.

Vergessen Sie Simone Lieghs Duotones auf der Biennale 2022. Der US-Pavillon von Jeffrey Gibson (Colorado Springs, 1972) ist in jeder Hinsicht eine Party. In der Figur von Gibson, Cherokee und Choctaw vermischen sich Ursprünge (er ist der erste indigene amerikanische Künstler, der die Vereinigten Staaten auf der Biennale von Venedig vertrat) und eine queere Identität: zwei Aspekte, die aus seinen farbenfrohen Werken gut hervorgehen, einige leichter (wie die mit Perlen bedeckte Enten), andere, die stärker involviert sind (z. B. solche, die visuelle Poesie beinhalten). Dieser Pride-Pavillon endet mit einem kaleidoskopischen Video, in dem einige Tänzer einen traditionellen indigenen Tanz zu den Noten des kanadischen Elektronik-Duos aufführen Die Halluzination. Unmöglich zu widerstehen.

Die Einzelausstellung ist eine hybride Meereswelt Julien Creuzet(Paris, 1986) im französischen Pavillon, der in allen Teilen eine direkte Hommage an das karibische Erbe des Künstlers darstellt. Die Zeilen seiner Gedichte auf kreolischem Französisch aus Martinique prallen von den Wänden ab – daher der sehr lange Name der Ausstellung: Der Attila-Katarakt ist aus der Quelle der grünen Felsnadeln hervorgegangen und endete in der großen, blauen Farbe, die wir jetzt in den Larmes-Marien des Mondes sehen– und sich in den dichten Geflechten der von der Decke hängenden Skulpturen verfangen. Es sind diese großen farbigen, ineinander verschlungenen und verknoteten Netze, die den räumlichen Rhythmus des Pavillons markieren, übersät mit Bildschirmen, auf denen ununterbrochen Videos von Unterwasser-„Simulationen“ mit futuristischem Flair und sehr lebendigen Farben laufen. Eine jenseitige Vision.

Zu den berührendsten nationalen Pavillons gehört zweifellos der polnische Pavillon, der das ukrainische Künstlerkollektiv einlädt Offene Gruppe. Die Ausstellung mit dem Titel Wiederholen Sie „After Me II“.besteht aus zwei Videos, die Flüchtlinge aus dem Krieg in der Ukraine zeigen, wie sie die Geräusche von Kugeln, Kanonenschüssen, Sirenen und Explosionen lautstark nachahmen, begleitet von einem Text, der eine tödliche Waffe beschreibt. Den Protagonisten der Arbeit von Open Group nur allzu bekannte Geräusche, die durch die Gegenüberstellung mit einer Reihe von Mikrofonen beunruhigend hervorgehoben werden, um die Möglichkeit eines Karaokes zu suggerieren, zu der Melodie, die der Kurator einspielte Marta Czyż definiert „der Soundtrack eines Krieges“.

In Anlehnung an die Auswahl anderer Pavillons und deren Weiterentwicklung ergeben sich zwei Herzstücke der Einzelausstellung des anglo-ghanaischen Künstlers und Regisseurs John Akomfrah (Accra, 1957) im Great Britain Pavilion: Zuhören als eine Form des Aktivismus und die Bedeutung von Wasser. Die Ausstellung wurde mit einem Rastafari-Gesang eröffnet Die ganze Nacht dem Regen lauschen ist eine Studie in fünf Cantos (und ebenso vielen Kontinenten), die sich den Erinnerungen und kulturellen Auswirkungen der Menschen widmet, die die „englische Diaspora“ repräsentieren: eine Klangbricolage, die Wasser und Musik mit unterschiedlichen kulturellen Erfahrungen verbindet und so die Geschichte (und den Kolonialismus) neu schreibt. .

UND Gülsün Karamustafa (Ankara, 1946), um die Türkei auf der 60. Biennale von Venedig zu vertreten. Als eine der erfolgreichsten Künstlerinnen ihres Landes interessiert sich Karamustafa für die Modernisierungsprozesse der Türkei, die Migration sowie Fragen der sexuellen und geschlechtlichen Identität umfassen. Seine Rede im türkischen Pavillon mit dem Titel Hohl und kaputt: Ein Zustand der Welt untersucht die Dimensionen des Bruchs und der Entleerung, die der Krieg auf die Abwesenheit von Werten und die Fragilität menschlicher Beziehungen widerspiegelt. Zu den anziehendsten Werken der Installation zählen die aus venezianischen Glasfragmenten gefertigten und mit Stacheldraht verzierten Kronleuchter: eine Lösung, die Eleganz und Wiederverwendung, Schrecken des Krieges und Schönheit vereint.

Ein kolossales Unterfangen Nigerianischer Pavillon in Dorsoduro. Die beiden Etagen – plus ein Zwischengeschoss – des Palazzo Correr werden zur Chorhymne eines Landes, das es wagt, sich als anders zu betrachten, ohne auf die Darstellung kritischer Probleme und noch offener Wunden zu verzichten. Nigeria imaginär Es handelt sich um eine kollektive Anstrengung (inspiriert durch das Ideenlabor des Mbari Club in Ibadan im Jahr 1961), die mit chirurgischer Präzision die Interventionspunkte identifiziert, von denen aus an der Wiederherstellung gearbeitet werden muss Agentur und schwarze und afrikanische Moderne. Und das geschieht durch das Sammeln von Artefakten aus der lokalen Geschichte, neu gelesen und kontextualisiert, gegenübergestellt mit neuen und beeindruckenden Installationen, deckendeckenden Gemälden, Fotos und interaktiven Displays (fragen Sie nach dem iPad, um die im ersten Stock ausgestellten Musikinstrumente zu verstehen). Die Werke sind grundlegend Blackwood: Ein lebendiges Archiv,mit seiner Schlagstockwand, die Ndidi Dike für die Biennale geschaffen hat, und die Denkmal für die Wiederherstellung von Geist und Seele, ein letztes Jahr vom Museum of West African Art bei Yinka Shonibare in Auftrag gegebenes Werk über die Raubzüge im alten Benin. Es gibt so viel zu lernen.

Der kroatische Pavillon ist ein relationales und prozessuales Projekt. Der Künstler Vlatka HorvatOhne Rhetorik und mit äußerster formaler Sauberkeit verwandelt es eine komplexe Handlung aus Begegnungen, Bildern und Blicken in einen Ausstellungsanlass und verschwindet teilweise zugunsten einer Idee fortschrittlicher Kollektivität: des Themas Überall Fremde es wird zu einer aufrichtigen Erfahrung der Begegnung und des Willkommenseins. Mit einer einfachen und wirkungsvollen Ästhetik zeigt Horvat kleine zweidimensionale Werke von Künstlern aller Nationalitäten, die durch die Tatsache, dass sie in der Diaspora leben und in einem Land leben, das nicht ihr eigenes ist, vereint sind. Er reagierte darauf, indem er ihnen eines seiner vor Ort erstellten Collagenwerke schenkte. Die große Maschine des Austauschs, der Logistik, der Lieferungen und Sendungen läuft ausschließlich durch die Hände von Freunden oder Bekannten ab, wird Schritt für Schritt dokumentiert und dann zusammen mit den Werken selbst, die abgehen oder ankommen, präsentiert. Der Künstler bleibt bis zum Ende der Biennale in Venedig, wohnt im Pavillon und speist weiterhin dieses Archiv, das auf eleganten, minimalistischen Displays aus hellem Holz in einem dank großer Fenster zum Garten hin offenen Raum eingerichtet ist. Ein großartiges Werk, das aus Dutzenden von Werken in Bewegung besteht und nach neuen wirksamen Strategien zur Schaffung einer Gemeinschaft sucht. Alles dokumentieren.