Modena – Stadttheater Pavarotti-Freni: Die Puritaner

Nach einer intensiven Opernsaison mit neun Titeln, darunter einem neuen Auftragswerk und einer italienischen Erstaufführung, enden die Produktionsbemühungen des Teatro Comunale Pavarotti-Freni nicht und werden mit der Wiederaufnahme der Inszenierung der Oper fortgesetzt Puritaner (von unserem Magazin bereits vor sieben Jahren sowohl in Modena als auch in Piacenza rezensiert) als Teil der ersten Ausgabe von Modena Belcanto-Festival. Ziel der Veranstaltung, die sich über einen langen Kalender von Mai bis Dezember erstreckt, ist es, die blühende Musiktradition der Stadt zu präsentieren: von den ersten Komponisten des 16. Jahrhunderts bis hin zu Don Carlo von Verdi für dieses Theater vorbereitet, um schließlich zu den großen Stimmen zu gelangen, die in Modena geformt und debütiert wurden.

„Belcanto“ wird daher in seiner ursprünglichen barocken Formulierung verstanden und nicht in der üblichen Bedeutung, die Komponisten des frühen 19. Jahrhunderts mit philologischen Absichten verfolgen. Diese Produktion von Puritaner wurde in der Tat in einer Ausgabe aufgeführt, die alles andere als vollständig war, sei es aufgrund der Komplexität oder der Länge der Partitur. Angesichts der mildernden Umstände des Falles wurden jedoch gewisse Kürzungen und Scherenschläge vorgenommen (nicht nur solche, die Bellini selbst vorgenommen hatte). (dazwischen der Schluss „Ah niente o mio bell’angelo“, aber mehrere Da capos und lebhafte Teile der Musiknummern) erschienen mir so willkürlich, dass sie das eigentliche Wesen des Werks verfälschten.

Das Management von Alessandro d’Agostini, das das Orchestergefüge mit überwältigenden Farben belastet, die den Feinheiten der Partitur nicht gerecht werden und die Solisten in Schwierigkeiten bringen, die ohnehin durch allzu metronomisch geschlagene Tempi unter Druck geraten. Die Abdichtung des Siegels ist nicht sehr gleichmäßig Philharmonie des Stadttheaters während Lyrischer Chor von Modenadessen Interventionen es an Biss und Homogenität mangelt, schien mir im Vergleich zum vorgesehenen Personal zu klein zu sein, was ich bereits in der beobachten konnte Don Carlo November.

Die wenig aufregenden musikalischen (und inszenatorischen, auf die ich weiter unten eingehen werde) Koordinaten wirkten sich negativ auf die Gesangskompanie aus, die sich auf dem Papier als sehr vielversprechend erwies: Ihre Leistung erwies sich trotz der Einschränkungen der Geschäftsführung dennoch als beachtlich und sogar lobenswert fällig, ich unterscheide.

Bereits Elvira-Interpret in Palermo und Triest, Ruth Iniesta In Solostücken sticht es stärker hervor als in Ensemblestücken, wo die Orchesterlautstärke dazu neigt, es zu überfluten. Die spanische Sopranistin spielt ihre Karten am besten aus Polonäse und in der Szene des Wahnsinns, in der er sorgfältige Arbeit an der Diktion zeigt, intelligente Variationen im Da capo und hartnäckige hohe Töne mit überraschender Leichtigkeit vortragen (obwohl die Szene, die die Oper abschloss, nicht sehr sauber wirkte).

Nachdem er im selben Theater eine weitere schwierige Rolle für Rubini bewältigen musste (Percy in Anne Boleyn), Ruzil Gatin Etwas leise gibt er sein Debüt bei Arturo: Wie sein Kollege ist auch er mit einem Gesangsinstrument ausgestattet, das ohne Hindernisse in die hohe Tonhöhe läuft, dafür aber mit einem leichten Vibrato ausgestattet ist, das ihn schon ab dem Ausbruch „A te o cara“ begleitet Sie während des gesamten Projekts. Dennoch beendet der russische Tenor die Aufführung ohne Schwierigkeiten und versucht sich mit der gebotenen Vorsicht an der berüchtigten hohen Tonlage von „Credeasi misera“: Angesichts des gezeigten Engagements und seines Potenzials besteht die Hoffnung, dass er die Partie in einem am besten geeigneten Kontext wieder aufnehmen und perfektionieren kann.

Er gibt auch sein Debüt in der Rolle: Alessandro Luongo Wie Riccardo mangelt es sicherlich nicht an Prägnanz und Aufmerksamkeit für die Phrasierung, aber unter dem Strich fällt die Interpretation etwas eintönig aus, was jedoch auf die Richtung und Richtung zurückzuführen ist: der pisanische Bariton, der bei anderen Gelegenheiten als raffinierter Interpret und lässig geschätzt wird Tatsächlich erweist er sich als Schauspieler als vorsichtiger als sonst und aufmerksamer darin, Anweisungen aus dem Loch zu befolgen, als überzeugend mit Kollegen zu interagieren.

Wer in puncto Charakterbildung und musikalischer Sensibilität erhobenen Hauptes herauskommt, ist es Luca Tittotobereits in der Inszenierung von vor sieben Jahren präsent: Heute wie damals zeichnet sich sein Giorgio durch eine sanfte und volle Stimme aus, die die liebevolle Seite der Figur kohärent ausbalanciert (es liegt an ihm, den überzeugtesten Applaus „herauszuschmelzen“) das Publikum nach einer herzlichen Interpretation von „Cinta di fiore“) mit der patriotischeren, wie die leidenschaftliche Cabaletta „Suoni la trumba e intrepido“ beweist, in der er sich von seinem Kollegen abhebt.

Enrichetta von Nozomi Kato, ebenfalls bereits beim Debüt der Produktion in der gleichen Rolle engagiert, zeigt ein geschmeidiges und sanftes Instrument, das jedoch nicht immer im Fokus steht. Sie vervollständigen die Besetzung Matteo Macchioniklingelt Bruno, und Andrea PellegriniGualtiero Valton.

Es bleibt nur noch über die Show zu sprechen Francesco Esposito (der sich um die Regie und die Kostüme kümmert), wenig fesselnd und immer am Rande der unfreiwilligen Lächerlichkeit. Wie in allen Produktionen, die vom „Respekt vor dem Text der Musik“ ausgehen wollen (wer hat also die Kürzungen der Partitur genehmigt?), wird ein abgedroschenes Repertoire an Posen gezeigt von gestern (die im Proszenium aufgereihten Solisten, der fast statische Chor, die unvermeidlichen gekreuzten Schwerter in der oben erwähnten Cabaletta zwischen Riccardo und Giorgio) und Gegenszenen sowohl szenischer als auch musikalischer Unruhe: Die Charaktere werden selbst in ihren privatesten Momenten nie allein gelassen , mit dem Chor, der die Geschichte von oben auf die Szene untersucht Rinaldo Rinaldi Und Maria Grazia Cervettiund die auf Dauer unerträgliche Allgegenwart von Elviras Damen, die auch im Wahnsinn und im Duett mit Arturo mit ihr interagieren. Die Arbeit an den Solisten ist entweder unmerklich (siehe das Duell zwischen Arturo und Riccardo) oder völlig übertrieben, wie Elviras Wahnsinn, der von Lady Macbeth in Hysterie verwandelt wird, die sich zwanghaft die Hände reibt, als ob sie Blut daran hätte.

Das den Saal füllende Publikum aller Altersgruppen ließ es sich nicht nehmen, sowohl am Ende der einzelnen Lieder als auch beim Schlussapplaus seine Wertschätzung für die Show zum Ausdruck zu bringen: Doch trotz der lebhaften Zurufe, die an das Protagonistenquartett und das Regieteam gerichtet waren, Es mangelte nicht an vereinzelten, aber wiederholten Beschwerden gegen die Sopranistin (meiner Meinung nach unberechtigt) und den Regisseur.

Martino Pinali