LONDON – Nummer 32. Es ist das Zimmer, das er am meisten liebt. Beginnen wir hier mit den italienischen Malern des 17. Jahrhunderts. Bei ihnen begann ich mit 17 Jahren, mich ernsthaft mit Kunstgeschichte zu beschäftigen“, erinnert er sich der Direktor der Nationalgalerie, Gabriele Finaldi, während wir durch die Leidenschaft Hunderter der 3 Millionen jährlichen Besucher gehen dieses majestätischen Raums des Museums, der 1886 eingeweiht und im Juli 2020 nach 21 Monaten Restaurierung wiedereröffnet wurde: „Schauen Sie: Caravaggio, Orazio Gentileschi, Francesco Solimena, Guido Reni. Es ist eine tief empfundene und kraftvolle Kunst mit großer technischer Weisheit aus der Renaissance, einer sehr starken menschlichen Energie und einer sehr modernen Ästhetik. All dies in einer Halle, die ein Symbol des Staates ist, der sich inmitten der viktorianischen Zeit engagiert. Das heißt, Kunst mit allen Bürgern zu teilen.“ Tatsächlich ist die National Gallery auch heute noch für jedermann kostenlos zugänglich, wie die meisten großen Museen, die vom britischen Staat unterstützt werden. Vor einigen Tagen präsentierte er Caravaggios „letztes Gemälde“, „Das Martyrium der Heiligen Ursula“, das jahrzehntelang im Vereinigten Königreich verschollen war und nun dank der Banca Intesa Sanpaolo als Leihgabe in der Gallerie d’Italia in Neapel eingetroffen ist , erhält bis zum 14. Juli zwei Velázquez-Werke, „Unbefleckte Empfängnis“ und „Der heilige Johannes der Evangelist auf Patmos“. Jetzt jedoch, am 10. Mai, bereitet sich die National Gallery darauf vor, ihr 200-jähriges Bestehen und ihre Legende zu feiern, unter der Leitung des 57-jährigen italienisch-britischen Finaldi: geboren im Londoner Stadtteil Barnet als Sohn eines neapolitanischen Vaters und einer polnisch-englischen Mutter Er studierte am Dulwich College und am Courtauld Institute of Art, promovierte über den spanischen Barockmaler Jusepe de Ribera und absolvierte anschließend eine lange Karriere als Kurator, bevor er sich der wichtigsten Mission seines Lebens widmete. Finaldi hat gerade sein zehntes Jahr an der Spitze dieses von Briten und Ausländern geliebten globalen Kunstgiganten im neoklassizistischen Gebäude am Londoner Trafalgar Square begonnen, das 2025 um den neuen „hellen und einladenden“ Salisbury Wing-Anbau erweitert wird 2600 Werke, multipliziert mit den 38 Gemälden, die der Bankier John Julius Angerstein 1824 vom britischen Staat kaufte: Renoir, Botticelli, Velázquez, Rubens, Holbein, Cézanne, Monet, Seurat, Vermeer, Ingres, Rembrandt, Piero della Francesca, Mantegna, usw.
Finaldi, aber was ist dein Favorit?
“Das. „Das Abendmahl in Emmaus“ von Caravaggio. Schauen Sie sich die visuelle und ästhetische Kraft an, den dramatischen Realismus, der den Besucher sofort in seinen Bann zieht. Es ist über vier Jahrhunderte alt und doch kommt Caravaggio unserer Sensibilität so nahe. Es wirkt fast wie modernes Kino, mit dieser Virtuosität und den Lichtstrahlen: der auferstandene Jesus, das Brot, die Jünger, die Sprache der Gesten, der Realismus des Stilllebens …“
Aber es wird noch eine Weile nicht da sein, oder?
“Genau. Wir haben eine Wandertour durch einige unserer Werke gestartet (wie „The Umbrellas“ von Renoir für Leicester, „Venus and Mars“ von Botticelli in Cambridge, bis hin zum außergewöhnlichen „Venus Rokeby“ von Velázquez in Liverpool, Hrsg.). . „Das Abendmahl in Emmaus“ wird nach Belfast gehen, während dieses erstaunliche „Selbstporträt als Heilige Katharina“ von Artemisia Gentileschi, das für uns sehr wichtig ist, weil sie eine Frau in einem von Männern dominierten 17. Jahrhundert war, bald in Birmingham ausgestellt wird. Nachdem wir es in eine Arztpraxis in York, in ein Frauengefängnis in Sussex und auch in eine Schule gebracht haben, sind wir seit 1824 eine für alle offene Einrichtung. Das Ziel und unser Antrieb ist es, mindestens eine Million zu erreichen Engländer, die niemals zum National kommen würden.
Aber schadet das nicht der Zentralität der Institution?
„Nein, seit zweihundert Jahren haben wir uns immer weiterentwickelt, um Bürger und Enthusiasten einzubeziehen. Darüber hinaus befinden sich in Großbritannien viele kleinere Museen in einer Krise: Nach der Corona-Krise sind sie zu reduzierten Öffnungszeiten gezwungen, können keine neuen Werke erwerben oder es herrscht keine Personalfluktuation. Deshalb haben wir eine moralische Verpflichtung, ihnen zu helfen und die öffentliche Aufmerksamkeit auf dieses Problem zu lenken.“
Liegt die Reisetour auch am Rückgang der ausländischen Besucher?
“Ja. Früher machten sie 65 % der Gesamtzahl aus, jetzt liegen wir unter 40 %. Nach Covid mussten wir uns ändern und mit einem stabileren, „lokaleren“ und „loyaleren“ Publikum arbeiten. Auch weil mir meine Kollegen in Rom, Paris und Florenz erzählen, dass in ihrem Land der Zustrom ausländischer Touristen wieder das Niveau vor der Pandemie erreicht hat. Nicht bei uns.”
Wie kommts? Hat der Brexit auch etwas damit zu tun?
„Ja, denn jetzt braucht man einen Reisepass und wir sehen an den Zahlen, dass neben dem durchschnittlichen europäischen Touristen auch die Zahl der Schüler abnimmt. Außerdem helfen die hohen Lebenshaltungskosten in London nicht, auch wenn unser Museum kostenlos ist. Wir werden uns erholen, aber wir befinden uns in einer Zeit des Übergangs.“
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Hatte der Brexit auch für Sie Auswirkungen auf den Erwerb von Werken und Leihgaben?
„Ja, es ist durch die Bürokratie etwas komplizierter und teurer geworden, ganz zu schweigen von der Inflation, den Energiekosten und den sinkenden staatlichen Beihilfen. Aber als großes staatliches Museum können wir im Gegensatz zu anderen kleineren Museen auch dank Marketing und Philanthropie höhere Ausgaben stemmen. Das ist die eigentliche Herausforderung der nächsten zehn Jahre: Museen wirtschaftlich nachhaltig und emissionsfrei zu machen. Und dann ist da noch einer.
Welche?
„In den Schulen wird immer weniger Kunstgeschichte unterrichtet. Das Risiko für Museen besteht darin, sich immer weiter von neuen Generationen zu entfernen. Deshalb müssen wir uns engagieren.“
Haben Sie als National nach den Kontroversen und Behauptungen antirassistischer Vereinigungen und den möglichen Verbindungen zwischen Kolonialismus und Sklaverei seiner Institution in den vergangenen Jahrhunderten Werke entfernt?
„Alle Museen versuchen, ihre Geschichte neu zu lesen, auch wir: Beispielsweise wurde unser „Gründer“ John Julius Angerstein, ein Finanzier russischer Herkunft, von Lloyds subventioniert, einer Bank, die damals mit dem Sklavenhandel verbunden war. Aber wir haben keine Werke entfernt. Vielmehr haben wir einige für die Debatte hinzugefügt, siehe „Miss La La“ von Degas, mit der preußischen Protagonistin eines afroamerikanischen Vaters und einer polnischen Mutter.
Und was halten Sie von den wachsenden Forderungen nach Rückgabe von Werken britischer Museen, vor allem der Parthenon-Murmeln des British Museum?
„Ich werde mich nicht konkret äußern, aber im Allgemeinen muss man den Einzelfall beurteilen. Allerdings ist London eine große internationale Stadt, die Werke, die hier ausgestellt sind, sind nicht weniger mit anderen Orten verbunden … außerdem ist der Kolonialismus eine historische Realität. Sie können nicht den gesamten Verlauf rückgängig machen. Aber Fehler können, wenn möglich, durchaus korrigiert werden.“
Und was ist mit radikalen Klimaaktivisten wie Just Stop Oil, die in den letzten Monaten auch Werke aus der National Gallery ins Visier genommen haben?
„Sowohl als Bürger als auch als Regisseur fühle ich mich sehr beleidigt, wenn ich sehe, dass solche Meisterwerke so angegriffen und brutalisiert werden, mit der großen Gefahr, dass sie dauerhaft beschädigt werden.“
Welche Art?
„Sehen Sie sich dieses „Venus Rokeby“ von Velázquez an. Sie beschädigten es, wenn auch leicht, trotz des Glases. Wir mussten es sofort zur Restaurierung bringen und den Schaden beheben. Leider können Sie alle gewünschten Kontrollen vornehmen, aber das Kunstwerk muss sichtbar, zugänglich und daher angreifbar sein. Sonst wird es der Besucher nicht zu schätzen wissen.“
Und was werden Sie nun tun, um nationale Führungskräfte zu schützen?
„Wir mussten auch bei denen Schutzglas anbringen, die es nicht hatten, wie dieses hier von Tiziano. Aber ohne den physischen Sinn und die Masse der Pigmente auf der Leinwand wird das Werk leider für den Besucher distanzierter. Ich befürworte die Verschärfung der Gesetze in Italien gegen solche unangemessenen Handlungen: Wir sollten sie auch hier in England anwenden.“
Worauf sind Sie in fast zehn Jahren als Direktor der National Gallery am meisten stolz?
„Wir haben es geschafft, auch während Covid nah an der Öffentlichkeit zu sein, wir haben die digitalen Aktivitäten ausgeweitet, die Zahl zeitgenössischer Künstler erhöht, Werke gekauft, auf die ich stolz bin, wie Juan de Zurbarán, Cavallino, Bloemaert, ein Zeitgenosse von Rubens, die „Sieben Sakramente“ von Poussin und Ferdinand Hodler, da die Schweizer Malerei weniger bekannt ist.
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Und gibt es auch italienischen Stolz?
„Natürlich. Ich sage immer, dass die Nationalgalerie angesichts ihrer Sammlung so etwas wie eine alternative Botschaft Italiens ist. Sie ist eine Bastion italienischer Kunst im Ausland.“
Sind Sie auch stolz auf die berüchtigte Restaurierung der „Krippe“ von Piero della Francesca, die vor einigen Jahren für Aufsehen sorgte und heftig kritisiert wurde?
„Andererseits bin ich mit dem Endergebnis sehr zufrieden. Und ich würde nicht von einer Sensation sprechen, sondern von zwei Leuten, die es kritisiert haben … Die „Krippe“ war in einem sehr schlechten Zustand, definitiv beschädigt. Also haben wir eine sehr sorgfältige Restaurierung durchgeführt, die 18 Monate dauerte. von einem unserer berühmten und anerkannten Experten Einige sagen, dass es in Europa unterschiedliche Schulen und Philosophien gibt, zum Beispiel die französische, die weniger interventionistisch ist. Andererseits neigen wir dazu, beschädigte oder sogar verlorene Elemente in der Arbeit zu rekonstruieren „Als ich es nach Sansepolcro brachte, wo Piero della Francesca geboren wurde und starb, waren alle begeistert.“
