Hopper: Eine amerikanische Liebesgeschichte – Film (2022)

Edward Hoppers Bildwerke repräsentieren seit jeher einen besonderen Moment in der Kunstgeschichte. Phil Grabskys Film beginnt genau hier: aus dem historischen Kontext, in dem ein amerikanisches Talent seine ersten Schritte in der Welt der Kunst unternimmt. Als der junge amerikanische Student zu Beginn des 20. Jahrhunderts begann, seine kleinen Leinwände zu malen und Illustrationen zu schaffen, die das alltägliche Leben erzählten, bahnte sich die künstlerische Avantgarde ihren Weg durch Experimente und starke formale und ästhetische Brüche. Es ist die Zeit von Duchamp, Picasso und den anderen. Und Hopper, der weiß, was um ihn herum geschah, beschließt, die Städte, Häuser und Porträts einsamer und unabhängiger Frauen in der Art der Impressionisten darzustellen – die er gesehen und in sich aufgenommen hatte, als er in Paris lebte, einer Stadt, die er liebte. , aber mit einer Strenge in der Gestaltung, fast filmisch, und in der Farbwiedergabe (sowohl Öl als auch Aquarell, bis hin zur Zeichnung), die es über jede Strömung, jede künstlerische Bewegung hinausführt.

Hopper ist daher ein einsamer Schöpfer. Edward war bürgerlicher Abstammung und hatte eine streng katholische Mutter. Er studierte Kunst in New York und ging dann – mit strikter Zustimmung seiner Mutter – zum Studium nach Paris, wo er sich die große, helle und besondere Stadt ansah, während er sich nicht in der Boheme-Welt aufhielt der Kunst und erlebt eine unerwiderte Liebe, die zehn Jahre anhält.

Diese Episode seines Lebens, von der kürzlich entdeckte Briefe zeugen, markiert die psychologische Reise des Künstlers, die bereits einsamer und introspektiver Natur ist. In Paris sammelt er das Schöne und kehrt dann nach New York zurück, wo die Straßen, die Lichter und Schatten, die Brooklyn Bridge, die Bars und die einsamen Figuren, die durch die Straßen wandern, zu einer Inspirationsquelle für seine Malerei werden. Von seinem Privatleben, in dem intime und persönliche Aspekte zum Vorschein kommen, bis hin zu seinem akribischen Studium der Malerei stellt der Dokumentarfilm eine genaue und tiefgreifende Analyse von Hoppers Schaffen und seinem Leben dar.

Mit Langsamkeit und Hingabe konzentrieren sich die Bilder auf die Bildwerke: Es ist der Trick des Regisseurs, den menschlichen Edward im Dialog mit dem Künstler zu erzählen und dabei die guten und die dunkleren Aspekte hervorzuheben, oft ausgehend von den dargestellten Sujets. Die weibliche Figur beispielsweise ist in Hoppers Werk von zentraler Bedeutung. „Summer Interior“ (1909), heute in der Sammlung des Whitney Museums in New York, zeigt eine Frau, die mit verdecktem Gesicht auf dem Boden sitzt und nach unten blickt. Die Figur trägt nur ein knappes T-Shirt; er hat wahrscheinlich gerade den Geschlechtsakt beendet; eine fleischliche Handlung, vielleicht gewalttätig, die sie verletzte und sie am Fußende eines Bettes in einem Hotelzimmer zurückließ.

Einige Wissenschaftler hätten diese Figur als autobiografisch interpretiert, so wird im Film erzählt. Hopper fühlte sich verletzt, misshandelt und gequält. Und er stellte sich selbst als weibliche Figur dar. Dabei sind die Episoden und Erzählungen des Malers nicht nur Einblicke in die Realität, sondern weisen stets auf eine starke Selbstbeobachtung hin. Einsamkeit, stehen gebliebene Zeit, Unkommunikabilität, besondere Ausdrucksschnitte, mysteriöse Signale … Hoppers Leinwände bestehen aus diesen Elementen. Der Maler, der die Idee des Alltags vertritt. Die scheinbar kalten und leeren Landschaften – denken Sie an die ikonischen Porträts von Häusern (vielleicht seine bekanntesten und bekanntesten Werke) – die immer den Titel derjenigen tragen, die in ihnen leben. Amerikanische Häuser, von den Backsteinhäusern in New York bis zu den Villen aus dem späten 19. sind Darstellungen von Stimmungen.

Wie in einem Hitchcock-Film, aus dem Hopper viel schöpft und umgekehrt, aus dem der englische Regisseur eine Hommage an das ikonische Haus kreiert PsychoDer Betrachter eines Gemäldes von Hopper nimmt eine Geschichte wahr, erahnt den Menschen, auch wenn er ihn nicht sieht. Die erzählerische Fähigkeit, die Edward Hopper in einige wenige, spärliche, einstudierte Elemente einfügt, ist außergewöhnlich. Die Bildsprache des Films spielt zwischen dem Realen und dem Dargestellten: Einige von Edwards Gemälden werden zum Leben erweckt, oder umgekehrt, echte Fotos oder Filmmaterial kehren zurück. Haskell House (1924) wird live gedreht und dann in ein Gemälde umgewandelt; und einige der von Cape Cod bis Gloucester gemalten Villen auch: Der Dokumentarfilm spielt zwischen bewegten Bildern und denen, die der Künstler gezeichnet hat.

Eines der berühmtesten Werke ist „The Nighthawks“ (1942), das im Art Institute of Chicago aufbewahrt wird. Hier malt Hopper die Inneneinrichtung einer Bar. Es gibt keine besonderen Elemente. Im Film erzählt eine Erzählerin die einzelnen Themen und jedes Detail, und der Regisseur verweilt mehrere Minuten bei den Bildern und konzentriert sich wie in einer echten Kinoerzählung auf die gesamte Innenszene.

Die Szene wirkt fast metaphysisch: Wir sehen den Innenraum, in dem eine rothaarige Frau neben einem Mann steht, der eine Zigarette raucht. Der Barkeeper bereitet vielleicht etwas vor. Hinter ihm stehen zwei große Behälter mit Wasser oder Kaffee. Und von hinten gesehen gibt es eine weitere männliche Figur. Das Schaufenster ist sehr groß. Es gibt keine Öffnungen, Türen oder Fenster zum Verlassen. Die Straße, wahrscheinlich in New York, hat eine besondere, weiche, geheimnisvolle Note, die Töne sind grün. Dieses Werk wurde im Laufe der Geschichte von Regisseuren aufgegriffen (denken Sie an das Cinema Noir, wie sehr es sich an Hoppers Ansichten und Atmosphären orientierte!), bis hin zu Parodien (sogar die Simpsons bevölkern die Bar von „The Nighthawks“).

Diese mysteriösen Figuren waren seit seinen ersten Gemälden immer Teil der dokumentarischen Bildsprache von Edward Hopper. Denken Sie an „Soir bleu“ (1914), eines der ersten im Film analysierten Werke: ein frühes Gemälde, in dem der impressionistische Einfluss spürbar ist: Der Protagonist ist ein Clown, wahrscheinlich der Künstler selbst; oder ein paar Jahre später „Morning in a city“ (1944), wo eine Frau allein in einem Restaurant sitzt und eine Tasse Kaffee trinkt. Wie bereits geschrieben, kommen weibliche Figuren in Hoppers Gemälden häufig vor. Das Model war immer seine Frau, ehemalige Klassenkameradin und in der Folge seine lebenslange Unterstützung und Managerin. Josephine Nivilson war Malerin. Seine Gemälde und Zeichnungen in Aquarell standen denen Edwards in nichts nach. Doch die Persönlichkeit ihres Mannes fesselt sie. Die aufmerksame und aufmerksame Frau ist von Hoppers Einsamkeit und seinem rauen Charakter so überwältigt, dass sie ihr Versagen als Malerin erklärt. Von New York bis Cape Cod verlassen sich die beiden nie. Zwischen Wettbewerben, Konflikten, inspirierenden Reisen und Freundschaften, die nur Josephine pflegt, malt Hopper immer. Ein paar Gemälde pro Jahr, manchmal sogar nur zwei. Die Illustrationen und Aquarellzeichnungen hingegen entstehen täglich. Hopper zerstörte sie jedoch oft.

Mensch und Künstler; gut und Böse; Beziehung zu anderen und zu Frauen: Hopper. „An American Story“ geht tief in Hoppers Analyse ein und analysiert seine privatesten Aspekte. Grabsky bringt Kunstprofis dazu, die aus den unterschiedlichsten Blickwinkeln über Hopper sprechen. Der Direktor des Whitney Museums und der Kurator der Zeichnungsabteilung des Amerikanischen Museums beispielsweise loben seine Technik und Beobachtungsqualität; Der Direktor des Cape Cod Museums betont jedoch die Beziehung zu seiner Frau. Denn tatsächlich widmete Edward sein ganzes Leben ausschließlich seiner Karriere, den Details, die ihn umgaben, den amerikanischen Landschaften, denen er, im Guten wie im Schlechten, „eine amerikanische Liebesgeschichte“ widmete.

Der Film zeichnet auch Hoppers künstlerisches Schaffen nach, das daher begrenzt ist und in wenigen Museen und Institutionen der Welt zu finden ist. Von der National Gallery in Washington bis nach Chicago oder Moma. Kleine Spuren von Schönheit, von amerikanischen Landschaften, von visuellen Reflexionen und Selbstbeobachtungen der Seele, insbesondere der weiblichen; die Dächer, die Dachfenster, die Felder, die Zapfsäulen, die halb leeren Bars, die leuchtenden Farben der Frauenkleider, die nach außen gerichteten Blicke und bewegungslosen Posen … das sind die Fragmente, die Hopper hat, Spuren später nachzeichnen , hinterlassen auf seinem Weg, von einem strengen Maler eines bewegungslosen Alltags.
