aus Venedig
Das Profil mit dem Fischauge im Zentrum der Tuschezeichnung mit dem Titel „Poetry“ aus dem Jahr 1960 ist das von Orpheus, dem klassischen Mythos, in dem sich der „Jongleur“ Jean Cocteau als eine Art künstlerisches Alter Ego identifizierte; Die handgeschriebenen Gedanken, die das Porträt umgeben, sind jedoch eine Art Manifest der universellen Bedeutung, die der französische Universalgelehrte dem Begriff der Poesie gab, „nicht die Folge einer Inspiration, sondern einer Ausatmung, so wie der Dichter es nicht tut.“ dass die Arbeit der Kräfte, die es bewohnen, dem Gewissen und der Vernunft fremd ist.“
Dieses Werk, das die Ausstellung mit über 150 Werken in der Peggy Guggenheim-Sammlung in Venedig eröffnet, ist eines der Werke, die die Gefühle und Ideen dieses Enfant terrible der Pariser Avantgarde-Szene, das von der Dynamik seiner vielfältigen Talente zerrissen wurde, am besten verkörpern , einschließlich Schreiben, Bildende Kunst, Theater, Design und Kino; Eine Mehrsprachigkeit, die ironischerweise in der Fotografie von Philippe Halsman aus dem Jahr 1949 zum Ausdruck kam, die ihn mit sechs Armen zeigt, die einen Pinsel, einen Stift, eine Schere, ein aufgeschlagenes Buch und eine Zigarette halten. Diese Vielseitigkeit fand ihren Höhepunkt gerade in der Poesie, die er selbst in dem Picasso gewidmeten Band der Dessin-Zeichnungen entschlüsselte, in dem er feststellte, dass „Dichter nicht zeichnen, sie zerlegen das Geschriebene und setzen es dann anders zusammen“; und dann in seinem ersten Film The Blood of a Poet, in dem er betonte, dass „Poesie“ der Begriff ist, der seine Kunst in jeder Ausdrucksform beschreibt: poésie de roman (Roman), poésie graphique (Zeichnung), poésie de theatre (Theater) , Poésie Critique (Sachliteratur), Poésie Cinematographique (Kino). Es war, als würde man Dino Buzzati und seinen gemalten Geschichten zuhören; Ebenso wie der Schriftsteller aus Belluno trennte Cocteau die Bilder seiner Zeichnungen fast nie vom geschriebenen Wort und blieb er selbst in der Rolle des Malers, Dramatikers, Dichters, Filmemachers, Kritikers und sogar Modedesigners.
Die Ausstellung im Palazzo Venier trägt den symbolträchtigen Titel „Die Rache des Jongleurs“ und zeugt von der ehrgeizigen Absicht, die vielen Seelen des Mannes zu verdichten, der es liebte, sich selbst zu umgeben, indem er sich auf ihre kreative Energie großer Künstler mit unterschiedlichem Hintergrund, von Picasso bis Edith, stützte Piaf, von Tristan Tzara bis Coco Chanel. Aber der Wert der Rache liegt in dieser ersten echten Anthologie vor allem darin, den tiefen künstlerischen Wert einer Figur zu würdigen, die, obwohl sie im Pariser Kulturbetrieb sehr bekannt war, gerade wegen ihres schwer fassbaren Eklektizismus stets mit Snobismus betrachtet wurde. Ausgehend von den Surrealisten, von denen er sich sowohl in der Grafik voller magischer und traumhafter Symbole als auch vor allem im visionären Kino stark inspirieren ließ. Denken Sie nur an die Szene von Lee Millers Verwandlung von einer Statue in eine menschliche Figur im Film „Le sang d`un poete“; oder das von Orpheus, der durch den Spiegel in Richtung Jenseits geht. Doch Andrè Breton, der edle Vater der Surrealisten, weigerte sich, sich der Gruppe anzuschließen, offiziell aufgrund seiner stets öffentlich erklärten Homosexualität, die sowohl in den Texten als auch in den Bildern oft präsent ist. Der Kurator der Ausstellung Kenneth E. Silver, einer der maßgeblichsten Historiker von Cocteau, hat Zeichnungen, grafische Werke, Wandteppiche, Juwelen, Dokumente, Bücher, Zeitschriften und Filme aus den dreißiger bis sechziger Jahren ausgewählt und die Reise des Cocteau nachgezeichnet „Jongleur“, der es nie verstand, die Kunst von der Wahrheit des Lebens zu trennen, ohne Impulse und Schwächen zu verbergen, wie etwa die Opiumsucht, die nach dem frühen Tod seines Geliebten Raymond Radiguet begann.
Allerdings verkörpert die Ausstellung in Venedig auch den Begriff des Genius Loci, denn die künstlerische Laufbahn der Mäzenin Peggy Guggenheim begann 1938 mit einer Cocteau gewidmeten Ausstellung in der Londoner Galerie Guggenheim Jeune, eine Partnerschaft, die durch eine der ausgestellten Zeichnungen symbolisch repräsentiert wird. mit dem Titel „Angst verleiht dem Mut Flügel“. Es handelt sich um ein mit Graphit, Kreide und Pastell auf einem großen Leinentuch gemaltes Werk, das größte, das er je geschaffen hat, mit vier allegorischen Figuren, darunter sein Begleiter Jean Marais. Das Werk, das beim britischen Zoll blockiert wurde, weil es aufgrund der offensichtlichen Schambehaarung des männlichen Aktes als skandalös galt, bleibt mysteriös und wurde möglicherweise als Metapher für die antifaschistische republikanische Sache im spanischen Bürgerkrieg geschaffen. Skandalös oder nicht, dieses Werk wurde von Peggy geborgen und ist eine der vielen Zeichnungen mit erotischem (und homosexuellem) Hintergrund, die im Palazzo Venier ausgestellt sind, wie etwa die phallische Mandragore-Serie von 1936, die von den Matrosen, die sich zwei Männer umarmen „Jean and Jean“ (der Künstler und sein Begleiter Marais), das Porträt des panamaischen Boxers Al Brown (ein weiterer seiner Liebhaber), das eher skurrile Porträt des Dadaisten Tristan Tzara mit dem Titel Giant Balls; und nicht zuletzt die Leiche von Eduard Dermit, dem Adoptivsohn, der auch in der Besetzung des Films „Das Testament des Orpheus“ aus dem Jahr 1950 zu sehen war.
Der Mythos von Orpheus – im Film gespielt vom allgegenwärtigen Marais – war eine wiederkehrende Obsession in den Zeichnungen, Filmen und in der nach dem Krieg entstandenen Juwelenserie seiner „Marke“ und ein Vorreiter künftiger Verbindungen zwischen Kunst und Mode die Zusammenarbeit von Cartier und der Designerin Elsa Schiaparelli. Der Höhepunkt dieses unermüdlichen „Jonglierens“ ist das von ihm 1955 entworfene Schwert aus Gold und Edelsteinen, das von Cartier für die Wahl in die Académie française hergestellt und ausnahmsweise aus der Sammlung des französischen Hauses geliehen wurde. Cocteau verzierte den Griff mit dem Profil von Orpheus, mit der Lyra auf dem Griff (ein weiteres Symbol, das mit der griechischen Mythologie in Verbindung steht) und dem sechszackigen Stern, der seine Signatur in fast allen seinen Werken begleitet.
Zu den Gründen für diesen „Avatar“ erklärte der Künstler, dass Orpheus „wie ein Thriller ist, der sich sowohl auf Mythen als auch auf das Übernatürliche stützt, ein Niemandsland, das die Dämmerung ist, in der Geheimnisse gedeihen“.
