Der schlechte Film der Woche ist Inside Out 2, der neue Film der Pixar Animation Studios, der ab dem 19. Juni in die Kinos kommt.
Prämisse
Pixar war dabei Angst. Dieses neue Gefühl von Inside Out 2 (damit kommen Peinlichkeit, Neid, Langeweile und eine Prise Nostalgie hinzu) spiegelt gut wider, wie man sich in diesen Gegenden vor den bemerkenswerten Ergebnissen des ersten Wochenendes an den amerikanischen Kinokassen fühlte. Stellt die von Edwin Catmull und Alvy Ray Smith 1986 in Richmond, Kalifornien, gegründete Produktionsfirma immer noch die Speerspitze der Weltanimation dar, die sowohl experimentell als auch landesweit beliebt sein kann? Die Antwort lautet „Nein“, zumindest seit jenem erstaunlichen Jahr 2015, in dem Pete Docter & Co. uns Sigmund Freud + Woody Allen + JRR Tolkien vor Augen führte, oder eine epische und komische Reise in die surrealen Länder der Psyche des Zwölfjährigen -alter Riley Andersen.
Diese amerikanische Dame war gerade aus dem ländlichen Minnesota in das graue und entfremdende San Francisco gezogen, begleitet von einer geduldigen Mutter, die hin und wieder einen brasilianischen Piloten vermisste, und einem freundlichen Vater, der oft bei der Arbeit war oder sich mehr auf American Football als auf den Fußball konzentrierte Probleme zu Hause (oder Rileys). Seit jenem fernen Jahr 2015 hat Pixar gute Filme gemacht, einige davon fast hervorragend (der solide Toy Story 4 oder der großartige Autorenflop Red), aber nie Meisterwerke wie die großen Namen des Studios im Goldenen Zeitalter von Pixar von 1995 bis 2015.
Wir wiederholen es immer: Es ist nicht einfach, in der industriellen audiovisuellen Produktion eine hohe Qualität aufrechtzuerhalten, geschweige denn eine sehr hohe Pixar-Qualität aufrechtzuerhalten. Physiologischer Verfall oder Auftakt zu einer drastischen Reduzierung der Ambitionen? In Marvel erleben sie die gleichen Emotionen nach den hervorragenden qualitativen und quantitativen Ergebnissen der magischen MCU-Periode 2008-2019, und erst der Beginn des Jahres 2025 wird uns wahrscheinlich einige Antworten auf ihre Zukunft geben, einschließlich des grundlegenden Ergebnisses für die weltweite Kinoproduktion von Deadpool & Wolverine nächsten 25. Juli.
Während sich Pixar im natürlichen Niedergang befand, was hat der Rest der Zeichentrickwelt nur gemacht? John Lasseter ist es derzeit mit Skydance Animation nicht gelungen, sich von „seinem“ Pixar abzugrenzen, von dem er zum Verlassen aufgefordert wurde, weil er im Goldenen Zeitalter 1995–2015 Mitarbeiter und Mitarbeiter übermäßig zärtlich und alkoholisch umarmt haben soll. Die Beleuchtung schafft komische Freuden ohne die Pixar-Tiefe. Disney war mutig genug, das Konzept des Bösewichts sowohl in Lightyear (2022) als auch in Strange World (2022) zu zerstören, wurde jedoch nicht von den Zuschauern belohnt, die die Post-Pandemie-Einspielergebnisse von Lightyear und Strange World zunichte gemacht hatten.
Der europäische Animationsfilm, einst die Domäne von Sylvain Chomet und Michel Ocelot, ist zunehmend an den Rand gerückt (Jerémy Clapins „Where’s My Body“ sorgte für Aufsehen). Wir Italiener? Trotz der immer eleganten Präsenz des Außenseiters Enzo d’Alò (der in seiner Heimat ein solcher Prophet war, dass er seinen neuesten Cartoon in Irland drehte) warten, beten und betteln wir auf den Spielfilm von Zerocalcare + Giorgio Scorza von Movimenti, als wäre er dieser waren nach den erfolgreichen Streaming-Experimenten das Manna vom Himmel. In Japan erzwang Makoto Shinkai mitten in der Apokalypse (Dein Name, Suzume) die junge Liebe, und im Jahr 2024 kehrte ein 83-jähriger Mann, der sich von diesem Tag zurückziehen musste (glaube niemals einem Künstler, wenn er extern ist), zurück Tokyo den Oscar für den besten animierten Spielfilm im Rahmen seines Studio Ghibli mit The Boy and the Heron.
Um es klarzustellen: Vermissen wir trotz Netflix-Erfolgen wie der französischen und US-amerikanischen Arcane-Serie, die auf Videospielen basiert, Pixar als zentralen Mainstream-Leuchtturm? Natürlich ja. Genauso, wie es der Fall wäre, wenn Marvel nach dem desaströsen Film „The Marvels“ (2023) zum Wohle der Kinos auf der ganzen Welt ins Kino zurückkehren würde. Und gerade weil uns Pixar-Nostalgie erfüllte, wandten wir uns nach dem wohlverdienten Oscar für „Spider-Man – Into the Spider-Verse“ (2019) mit immer größerer Begeisterung an Sony Pictures Animation, überzeugt davon, dass sie sich in diesem konkurrenzlosen Moment wiederholen würden , mit Spider-Man -Man: Across the Spider-Verse, bevor dieser 83-jährige Japaner sie im Fotofinish mit The Boy and the Heron (ebenfalls ein schwächerer Miyazaki, nicht auf dem Niveau der Meisterwerke der Serie) verarschte Vergangenheit).
Fazit: Die Animation ist in den letzten Jahren auf globaler Ebene nicht besonders animiert. Pixar brauchte einen breiten, zugänglichen Film, um wieder in den Mittelpunkt zu rücken. Ohne außergewöhnliche Gipfel, zum Glück hat er es mit gefunden Inside Out 2. Unter dem Motto eines Slogans, der vom ersten Film des Jahres 2015 stammt.
„Pubertät ist Chaos“
Vor allem aber ist Rileys Pubertät, die bereits im Finale von Inside Out beschworen wurde, die Gelegenheit, im Kontrollraum seines Geistes neue Charaktere im Vergleich zum Gewinnerteam des Originalfilms zu präsentieren. Die Musik ändert sich bereits im Vorspann (vom zarten Thema von Michael Giacchino geht es weiter zu elektrischen Gitarren des AC/DC-Modells) und während Gioia erneut mit den üblichen Mängeln beginnt („Lasst uns das Unverdauliche wegwerfen!“), versucht er sich zu isolieren Riley vor jeder Art von Störung, hier geht die Konsole kaputt, dann wird sie orange, dann erleben wir den Eintritt von vier neuen Charakteren mit einer weiblichen Dominanz von 4 zu 1. Die Originale waren ausgeglichener mit 3 Damen (Freude, Traurigkeit, Ekel) und 2 Herren (Angst und Wut). Jetzt haben wir…
Angst
Die Orange kommt von ihr. Lächeln und verrückte Haare wie ein verrückter Wissenschaftler. Es ist eine Angst, die zu erzwungener Fröhlichkeit gebracht wird, und daher spiegeln die Farben diese Wahl wider, die eher sonnig als dunkel ist. Er wird eine Schlüsselfigur sein, die versuchen wird, Gioia bei der Leitung von Riley zu ersetzen, was ihr deutliche Panikattacken beschert (Vorsicht: Mike Lowrey von Will Smith leidet auch in „Bad Boys: Ride or Die“ darunter). Mit Ansia stehen wir in der verrückten und coolen Grafiktradition der Looney Tunes.
Neid
Es ähnelt Ekel, aber im Vergleich zu dieser pingeligen grünen Dame ist alles blassblau. Mit „fallen“ meinen wir, dass sowohl die Augenpartie als auch die Haare im Gesicht nach unten zu tropfen scheinen. Riesige, ständig tränende Augen im Manga-Stil.
Verlegenheit
Unbeholfener Junge mit einem nicht goldenen, sondern grauen Anzug, unter dessen Kapuze er ständig sein Gesicht verbirgt, aus dem eine riesige Zwiebelnase hervorragt, die Asterix‘ Abenteuergefährten Obelix würdig ist. Nehmen wir an, die gesamte Figur scheint dem sehr starken französischen Hahn entnommen zu sein, den René Goscinny und Albert Uderzo 1959 geschaffen haben.
Langeweile
Sie ist eine Französin. Es ist lustig, dass eine solche Figur gerade in diesem historischen Moment auftaucht und mit Frankreich in Verbindung gebracht wird, denn unsere transalpinen Freunde erleben nach den Europawahlen Anfang Juni heute alles außer einem Zustand der Trägheit oder Apathie. Am 30. Juni und 7. Juli werden sie bei den Parlamentswahlen für die Erneuerung des Parlaments drei Jahre vor 2027 stimmen, nachdem Präsident Macron bei der europäischen Abstimmung am 6. Juni eine solche Niederlage einstecken musste, dass er die Volksbefragungen vorzog. Langeweile ist sicherlich ein Gefühl, das wir in diesem Frühsommer 2024 kaum mit Frankreich in Verbindung bringen können. Zurück zum Film: Sie ist dünn, mit einer großen Nase, spitz zulaufend wie Spaghetti, trägt blaue Pyjamas und Socken. „Gioia ist so retro“, werden wir sie sagen hören. Grafisch gibt es eine Prise Françoise Sagan + diese Puppen mit riesigen Nasen von Armando Testa (wir Italiener werden in Pixar verehrt, wie Bruno Bozzetto, der von Lasseter zur Zeit der Unglaublichen geehrt wurde, gut weiß) für seinen Carosello-Zyklus Carmencita und Caballero.
Nostalgie
Es gibt auch noch ein anderes Gefühl, das hin und wieder auftaucht, aber zu Recht von allen anderen zurückgedrängt wird (vielleicht der lustigste Gag des Films), weil es für Riley etwas verfrüht ist. Das ist Nostalgie, in der Rolle einer alten Dame in Form einer Muschel, immer mit einer Tasse Tee zum Servieren. Sie erinnerte uns an Yoda + Mr. Magoo von Millard Kaufman und John Hubley.
Welche Abenteuer wird Riley in Inside Out 2 erleben, wenn die neuen Emotionen präsentiert und die neue Dialektik etabliert sind (im ersten „Freude vs. Traurigkeit“; hier „Freude vs. Angst“)?
Fast seltsam
Fast queere Abenteuer. Einige haben Pixar sogar vorgeworfen, nicht besonders mutig zu sein. Wird Riley die echte Liebe kennenlernen? Sei nie. 2015 war für angelsächsische Freunde eine andere Ära als heute und tatsächlich wurde die Erwähnung möglicher zukünftiger Liebesgeschichten mit Jungen angenehmerweise am Ende von Inside Out Today eingeführt und ist praktisch undenkbar. Streichen wir also die Hetero-Liebesgeschichte mit so vielen märchenhaften Rhetoriken aus Disney-Animationen durch. Probleme zwischen Mama und Papa? Weder. Regenzeiten wie Carrie sowohl von Stephen King auf der Seite als auch von Brian De Palma auf der Leinwand? Lassen Sie uns jetzt nicht übertreiben (vielleicht das Pixar von früher, nicht das von heute). Wir sehen höchstens ein paar Pickel im Gesicht unseres Riley Andersen.
Die Sehnsucht unserer Heldin in dieser guten Fortsetzung ist einzig und allein mit einer Frauen-Eishockeymannschaft verbunden, eine Metapher für eine Welt voller Frauen an der Macht (sowohl Spielerinnen als auch Trainerinnen), zu der Riley nicht nur gehören, sondern in der sie auch sein möchte will sich auszeichnen. Im gesamten Film, der eher sklavisch dem Muster des Meisterwerks von 2015 folgt, übernimmt Ansia die Kontrolle, um sicherzustellen, dass Riley in die Eishockey-Frauenmannschaft aufgenommen wird, während Gioia & Co. nach den üblichen langen Reisen gezwungen sind, ihren Platz im Kontrollraum wieder einzunehmen in rosafarbenen Schluchten, Begegnungen mit lustigen Charakteren, einige Actionszenen, Bloofy statt Bing Bong, aber ohne die emotionale Wirkung dieses rührenden Charakters, der Gioia davonfliegen und in Vergessenheit geraten ließ, für immer von Riley vergessen.
Analog vs. Digital
Es ist interessant, wie sehr der Film, und zwar über eine etwa 2004 geborene amerikanische Generation Z, an analoge Bestrebungen anknüpft, die Präsenz sozialer Medien auslöscht und den Sport wieder in den Mittelpunkt der Ziele der jungen Heldin rückt, wie viele Komödien über die männliche Pubertät die 80er . Die Präsenz des schrecklichen dunklen Geheimnisses ist faszinierend, auch wenn ihre Präsenz zu flüchtig für einen so interessanten „Charakter“ ist, der anschaulich als Schreckgespenst von der Größe eines Tolkien-Balrogs beschrieben wird. Die exakt gleiche Lösung wie im Original von 2015 entgeht nicht: Emotionen niemals unterdrücken, niemals trennen, sondern versuchen, die Komplexität des Selbstgefühls zu erfassen.
Schlussfolgerungen
Theoretisch könnten wir alle zehn Jahre einen „Inside Out“ sehen, mit der Verantwortung von Pixar, so „seine“ immer facettenreichere und emotional reichere amerikanische Frau zu erschaffen, die von der Adoleszenz über die Jugend bis hin zum Erwachsenenleben reist. Warum nicht? Aber es wäre eine schwierige Aufgabe, denn dann müssten sie über Politik, Gesellschaft, Sexualität und eine etwas größere Beziehungs- und Handlungswelt sprechen als über eine Schule, den Eishockeyplatz, die Umkleidekabinen, das Zuhause mit Mama und Papa und mehr Ich bin im Büro des Trainers. Pixar wäre dazu in der Lage Kindheit von Richard Linklater? Würde es mit Ihrer Unternehmensmission übereinstimmen?
Während wir über die Antworten nachdenken, das Gute Inside Out 2 bringt die Menschen massenhaft ins Kino zurück, und das zum Glück, denn dieses 2024 braucht beliebte nationale Produkte. Wir glauben, dass der Pixar von heute, auch wenn er nicht mehr derselbe ist wie gestern, immer noch über alle Qualitäten verfügt, um diese Rolle auszufüllen. Zur thematischen, dramaturgischen und grafischen Avantgarde lautet die Antwort: Nein, sonst hätten sie sich nicht so eng an den Muttertext von 2015 orientiert. Deshalb haben wir zu Beginn des Aufsatzes den Ausdruck „ni“ verwendet.
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