Der dunkle, regnerische Himmel eines Sommersonntags demotivierte die Tausenden Menschen nicht, die sich am Abend auf der Piazza Maggiore vor den Bildern von trafen Paris, Texas, dessen Licht, Räume und Tiefe durch die 4K-Restaurierung wiederhergestellt werden; der Blick von Nastassja Kinski mit ihrem rosa Angorapullover und der von Harry Dean Stanton inmitten der Spiegel des Lebens und der Landschaft eines geträumten Amerikas. Es ist eines der vielen Fragmente im Mosaik dieser Tage im Cinema Ritrovato, das von seinem Autor Wim Wenders auf der Bühne präsentiert wird, einer der Protagonisten dieser Ausgabe des Festivals, das in seinen 39 Jahren ein stetig wachsendes Publikum aufgebaut hat des Lebens aufmerksam nicht nur auf das „Ereignis“, sondern vor allem auf die Filme. Jedes präsentiert sich im „erneuerten“ Gewand sorgfältiger Restaurierungen – wie das von Napoleon von Abel Gance, vor einem Monat beim Cannes-Festival zu sehen, hier im neuen und wunderschönen „Untergrund“-Saal des Modernissimo gezeigt – die dessen Bild und Bedeutung wieder zum Leben erwecken und sie mit der Zeitgenossenschaft in Einklang bringen.
WIR NEHMEN Der Schritt des Teufelsitalienischer Titel für das Original Teufelstür, ein großartiger Western von Anthony Mann, der 1950 die Frage nach den amerikanischen Ureinwohnern und ihrem Massaker jenseits (und auf dieser Seite) des „Gründungsmythos“ im Stil einer kapitalistischen Kolonialmaschine stellt, die ihnen jede Art von Anerkennung innerhalb der Gesellschaft verweigert . Und es ist überraschend zu sehen, wie in der Komplexität der vorgebrachten Standpunkte die amerikanische Geschichte – und ihre Darstellung – durch Themen von aktueller Relevanz in Frage gestellt wird. „Vielleicht hätte unsere Beziehung in hundert Jahren funktioniert“, sagt der Protagonist, ein junger Eingeborener, zu der Anwältin (Paula Raymond), die ihn verteidigt hat, und projiziert damit Konflikte in die Zukunft, die für diesen Teil Amerikas ungelöst geblieben sind und die auch im Laufe der Zeit andauern entfernt werden. Doch er, Lance Poole – gespielt von Robert Taylor – hatte an Veränderung geglaubt, er hatte im Bürgerkrieg für die Union gekämpft, er dachte, dass sein Volk von da an neue Rechte und Gleichberechtigung mit den „Weißen“ haben würde. Und stattdessen stellt er fest, dass er alles verlieren wird, sein Land, seine Träume, dass er nicht einmal um eine Konzession bitten kann, weil die Eingeborenen nicht als amerikanische Staatsbürger anerkannt werden, und es nicht nur um das Verbot geht, im Saloon zu trinken, sondern um alles ist nicht das Ghetto der Reserven.
Wenn der Bezugszeitraum des Films die Jahre sind, in denen die amerikanische Regierung einheimische Stämme ihres Landes beraubt, indem sie sie in Reservate einsperrt, dann geht es bei Mann um die Politik, die die Eingeborenen nach dem Zweiten Weltkrieg dazu drängte, in Städte abzuwandern, die bessere Bedingungen versprachen – und in Wirklichkeit bestand das Ziel darin, ihre Kultur völlig zu zerstören. Haben sich die Dinge Jahrhunderte nach diesem Taylor/Lance-Satz wirklich geändert? Es muss sehr wenig gesagt werden. In diesem Vergleich ist Mann (ein Regisseur, der von der Nouvelle Vague geliebt wird und für den Scorsese ganz sicher auf ihn setzt). Mörder des Blumenmondes) bleibt nicht beim „Thema“ stehen – wie es heutzutage bei „a posteriori“-Lesungen vieler Genres häufig der Fall ist –, sondern befasst sich eingehend mit der Landschaft des Westerns; Er mischt Noir mit John Altons Schwarz und Weiß und verwebt die Widersprüche in der Tiefe in der Figur seines einheimischen „Helden“ – und daher aus seiner Sicht – rebellisch aufgrund von Schmerz und Enttäuschung, der für sein Land kämpft, das sein lebensbewusstes Leben ist Du hast keine Zukunft. Es heute zu sehen, ist wertvoll für jede Kritik.
Mit dem Bild, das dem rätselhaften Gesicht von Catherine Deneuve anvertraut ist Les parapluies de Cherbourg von Demy Das Festival funktioniert auf mehreren Ebenen und ist in seinen Räumen auf eine Weise gewachsen, die mit dem Territorium und dem, was Teil der jährlichen Aktivitäten im Cineteca-„System“ ist, das zweifellos das vollständigste in Italien ist, in Dialog tritt.
UNTER DEN ANDEREN Die Reiserouten, die weiblichen – und feministischen – Kämpfe in den Vorstellungen der Welt, werden transversal und insbesondere im Rahmen des von Cecilia Cenciarelli kuratierten Cinema libero-Programms beleuchtet. Hier wurde es eingeführt Der versiegelte Boden (1977) der iranischen Regisseurin Marva Nabili wurde nie im Iran gezeigt und entwickelte sich im Laufe der Zeit zu einem jener prägenden Titel für viele Generationen, die ihn auf Videokassetten oder in minderwertigen Vorführprogrammen sahen.
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Wim Wenders, cinephile Leidenschaften und die Freude an der großen LeinwandDie Kopie hier – restauriert von der UCLA in Los Angeles – stellt die Kraft einer formalen Forschung wieder her, die sich mit persischen Miniaturen, mit der Malerei in der frontalen Beziehung zwischen der Kamera, den Figuren und den Orten und mit einer Körperlichkeit befasst, in der sich der weibliche Körper befindet irdisch und Raum der Emotionen und Konflikte – es gibt eine sehr schöne Sequenz, in der sich die Protagonistin in der Natur auszieht und das Regenwasser über sich fließen lässt. Marva Nabili – die heute 83 Jahre alt ist und das Publikum mit einer kleinen Videobotschaft begrüßte – bringt in ihren Bildern ihre Erfahrungen als bildende Künstlerin ein – sie hatte Malerei an der Universität Teheran studiert –, die der des durch Dolmetschen entdeckten Kinos vorausgeht Siyavosh in Persepolis (1966), gilt als eine der Referenzen für die Neue Welle des iranischen Kinos (Regie: Fereydoun Rahnema). Von dort zog er nach London und dann nach New York, studierte Kino, drehte einige Filme, bevor er in den Iran zurückkehrte, wo er eine von persischen Märchen inspirierte Fernsehserie schuf. Und gleichzeitig dreht es sich auch Der versiegelte Bodenin 16 mm und mit einer Crew, die sie dank ihrer anderen Arbeit hatte – Flora Shabaviz spielt die Protagonistin, Barbod Taher ist der Kameramann.
ABER WAS SAGT ES? der Film? Tatsächlich von einem Mädchen in einem abgelegenen Dorf im Südwesten Irans, kein Kind mehr und daher ohne die Freiheiten im Kindheitsalter ihrer kleinen Schwester und der anderen Mädchen und Jungen des Dorfes, aber noch nicht „erwachsen“. „Weil sie verheiratet ist. Das ist es, was sie dazu zwingt, zu Hause auf einen Ehemann zu warten, den sie jedoch ablehnt. In einem Schwebezustand aus Einsamkeit und sich wiederholenden täglichen Gesten wird das Mädchen verrückt, während das Dorf sie einem Exorzismus unterzieht und glaubt, sie sei besessen. In der Zwischenzeit beginnen die Menschen das Land zu verlassen, verführt von den Versprechungen neuer Siedlungen, die das Land noch weiter verarmen lassen. Der Schah ist immer noch an der Macht, auch wenn die khomeinistische Revolution bevorsteht – das wird 1978 sein, der Film ist in Amerika fertig – und viele Verläufe dieser stillgelegten Zeit lassen auf die tiefgreifenden Zäsuren schließen, die sie durchziehen. Beispielsweise spiegeln sich die Blicke zwischen dem Mädchen und der jungen Lehrerin ihrer Schwester, die mit unbedecktem Kopf und in Hosen eine andere Dimension anzudeuten scheint und oft oberflächliche Transformationen verkörpert, ohne einen weitreichenden Anstoß zu erzeugen, der stattdessen so scheint der Donna Vita Libertà-Bewegung anzugehören. In dem die Forderung nach Freiheit und neuen Lebensbedingungen mehrere Teile der Gesellschaft in einen Kampf einbezieht und vereint, der versucht, auf die Besonderheiten eines jeden (und jedes Einzelnen) zu reagieren.
