Als sich Michelangelo Antonioni noch als junger Filmkritiker und angehender Regisseur mit seinen ersten Kurzfilmen beschäftigte – die Rede ist von den Jahren zwischen 1940 und 1947 –, vertrat er im „Corriere Padano“ mit Überzeugung das Hauptproblem des Kinos war das der Farbe. Das dringendste, denn es ist dazu bestimmt, dem Kino mit seinem Aufkommen seine künstlerische Würde zurückzugeben, es als Ausdrucksmittel zu bereichern und ihm ein stärkeres Gefühl der Verbundenheit mit der Realität zu verleihen.
Arbeitsbuch de Die rote Wüste
Der Regisseur aus Ferrara beginnt mit einer ironischen, imaginären Beschimpfung an Samuel Goldwyn, den großen Hollywood-Produzenten, in dem er sich selbst zum „Koloristen“ erklärt und ihn anfleht, ihn einen Film drehen zu lassen, ohne zu wissen, dass die Farbe nicht aus Amerika, sondern aus Europa kommen würde , idealerweise berufen, die Aufgabe zu übernehmen, eine Filmästhetik von Grund auf zu theoretisieren. Aus dieser Sicht ist das, was Antonioni später mit seinem ersten Farbwerk erreichte, d. h Die rote Wüste 1964 mit einer denkwürdigen Monica Vitti gedreht, gleicht wahrlich einem stilistischen Gründungsakt, als wäre es ihm als Filmemacher im wahrsten Sinne des Wortes gelungen, den visionären Intuitionen des in ihm lebenden jugendlichen Theoretikers Substanz zu verleihen.
Goldene Palme für den besten Film bei den Filmfestspielen von Cannes 1967
Heute, auch sechzig Jahre nach der Veröffentlichung des Films – der auf den Filmfestspielen von Venedig präsentiert wurde und dort zweifellos den Goldenen Löwen erhielt – ist die revolutionäre und experimentelle Bedeutung dieser Bilder unbestreitbar, die darüber hinaus Themen behandeln, die weit in der Zukunft liegen ihrer Zeit, wie etwa der Ökologie, gefiltert durch eine starke selbstreflexive Linse, die in der Lage ist, Umwelt, Geisteskrankheit und Farbe in einer einzigen synästhetischen Architektur einzubeziehen. Seine Werke haben Generationen von Filmemachern beeinflusst und Die rote Wüste Es ist nur einer der vielen wichtigen Knotenpunkte seiner Existenz, doch sein Leben besteht nicht nur aus bewegten Bildern, sondern auch aus Objekten, vielen Objekten.
Das neue Antonioni-Raum von Ferrara
Und dann bestand vielleicht Bedarf an einem Museum, um sie zu sammeln, was, so absurd es auch sein mag, bis heute nicht existiert hatte. Seine Heimatstadt hat sich darum gekümmert. Das Projekt, kuratiert von Dominique Païni, ehemaliger Direktor des Cinémathèque Française, entstand dank des Engagements der Gemeinde Ferrara und der Ferrara Arte Foundation unter Mitwirkung von Vittorio Sgarbi in Zusammenarbeit mit der Frau des Regisseurs, Enrica Fico Antonioni. Ziel war es, ein lebendiges Museum zu schaffen, einen Ort der Bildung und Entdeckung, an dem Beweise für Antonionis Werk und Verbindungen zu anderen Künstlern und Intellektuellen erkundet werden können.
Michelangelo Antonioni am Set von Sprengen
Der Antonioni-Raum, wie es genannt wird, beherbergt eine Auswahl des außergewöhnlichen Archivs mit über 47.000 Stücken, die der Direktor und seine Frau der Gemeinde gespendet haben. Das Archiv umfasst Filme, Plakate, Drehbücher, Fotografien, Zeichnungen, Gemälde, Bücher, Schallplatten, Auszeichnungen und eine umfangreiche Briefsammlung mit Kulturschaffenden wie Roland Barthes, Umberto Eco, Federico Fellini und Andrej Tarkovsky. Dieser Schatz, der durch die Vorführung von Filmsequenzen des Regisseurs bereichert wird, wird auch von einem Ehrenkomitee unterstützt, dem Persönlichkeiten wie Gian Luca Farinelli, Thierry Frémaux, Wim Wenders, Alfonso Cuarón, Jonas Carpignano, Walter Salles, Irène Jacob und Sophie angehören Marceau und Giorgio Tinazzi.
Das neue Antonioni-Raum von Ferrara
Das vom Studio Alvisi Kirimoto durch die Neugestaltung der beiden Etagen des ehemaligen Pavillons für zeitgenössische Kunst des Palazzo Massari im Stadtzentrum entworfene Museum präsentiert einen Ausstellungsparcours, der an bestimmte Sequenzaufnahmen des Regisseurs erinnert, mit monolithischen vertikalen Partituren, die die verschiedenen Knotenpunkte markieren die Erzählung. Wie eine Art kontrolliertes Labyrinth, das Anweisungen vorgibt, denen man folgen muss. Die immersiven Räume, die den Filmen des Regisseurs gewidmet sind, gipfeln in einem chromatischen Höhepunkt in Graustufen, der an die Atmosphären seiner frühen Filme erinnert. Im ersten Stock gibt es einen vielseitigen Raum, der es Ihnen ermöglicht, den Raum an unterschiedliche Ausstellungsbedürfnisse anzupassen.
Das neue Antonioni-Raum in Ferrara
Und diesem durch die Ausstellung vorgegebenen Weg folgend, werden nach und nach die Jahreszeiten seines Kinos enthüllt, die sich über die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts erstrecken: von den neorealistischen Anfängen über die Überwindung dieser Phase mit den Filmen mit Lucia Bosè bis hin zu die „Trilogie der Moderne“, die ihn mit den ikonischen Titeln von Monica Vitti verbindet Das Abenteuer, die Sonnenfinsternis, Und Die Nachtum dann im Vorgenannten zum Aufkommen der Farbe zu gelangen Die rote Wüsteund dann zur Eroberung des Westens mit angloamerikanischen Filmen, die Zeugen der Explosion der Pop- und Hippie-Kultur sind, wie sie zweifellos sind Sprengen Und Zabriskie Punktsowie die afrikanische Flucht in Beruf: Reporterum mit „Die Rückkehr nach Italien“ und den Werken zu schließen, die die Verbindung zu den Wurzeln wiederherstellen.
Ein eigenes Kapitel ist der bildnerischen Inszenierung des Regisseurs und den spektakulären Traumlandschaften der Verzauberten Berge vorbehalten. Schließlich ist ein großer Mehrzweckraum für Besprechungen, Treffen und Ausstellungen im Geiste des Dialogs zwischen den Künsten vorgesehen. Der erste davon, der sich speziell auf die figurativen Künste bezieht, ist bereits in der Ausstellung vorhanden: ein gewagter Dialog zwischen Giorgio Morandi, Cy Twombly und Antonioni selbst mit dem Titel Unscharfeine Ausstellung, die darauf abzielt, die unterschiedliche künstlerische Umsetzung des von den drei vorgeschlagenen naturalistischen Kanons hervorzuheben, wenn auch mit unterschiedlichen Nuancen und jeweils mit einer ganz eigenen, ganz persönlichen Vision.
Unscharfein Dialog zwischen den Werken von Giorgio Morandi, Cy Twombly und Antonioni selbst
Es werden scheinbar in Stil und Ikonographie distanzierte Werke zusammengeführt, die im Gegenteil in ihrer Daseinsberechtigung der poetischen Vision des Filmemachers äußerst ähnlich sind. Morandis Gemälde und Twomblys „Natur“-Fotografien unterstreichen in Kombination mit den im Museum ausgestellten Archivmaterialien und dem konzeptionellen Erbe des Ferrara-Regisseurs die innovative Auseinandersetzung mit den Sehmitteln der drei Künstler. Die Ausstellung ermöglicht es uns somit, die intimste Seite ihrer Forschung im Lichte sowohl der historischen Tradition, die die Genres charakterisiert, als auch des neuen Gefühls ihrer Zeit, das sich in einem minimalen Alphabet manifestiert, einer Sprache, die nur scheinbar einfach ist, wiederzuentdecken und die im Gegenteil das Wesen der Realität zum Ausdruck bringt.
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