Was auch immer. In Julia Holters Sätzen kommt das Interkalar am häufigsten vor. Praktisch jede Argumentation oder jeder Versuch, seine Kunst zu erklären, endet mit diesem Wort. Als gute Amerikanerin – und die in Milwaukee geborene, aber seit ihrem 6. Lebensjahr ständig in Los Angeles ansässige Künstlerin ist zu 100 % Amerikanerin, obwohl sie auf kulturelle Einflüsse zurückgreifen kann, die von der europäischen Avantgarde bis zur griechischen Tragödie, von der Poetik reichen Von mittelalterlicher bis arabischer Musik – es mag ein einfacher verbaler Tick sein, vielleicht ist es aber auch ein Hinweis auf einen Umgang mit sich selbst und seiner Kreativität. Als ob man sagen wollte, dass trotz der scheinbaren konzeptionellen Gewichtigkeit immer eine gewisse Verspieltheit zugrunde liegt, ein luftiges Folgen der Inspiration des Augenblicks, und es daher nicht so wichtig ist, immer alles rationalisieren zu müssen. Was auch immer.
Auf dem neuen Album Etwas im Raum, das sie bewegt – ein Titel, der, wie sie selbst erklärte, nur eine tangentiale Verbindung zu George Harrisons Lied hat: Es war ein Lied, mit dem sie ihrer neugeborenen Tochter Schlaflieder vortrug, und als sie der Demodatei einen Titel geben musste, der später der Titel werden sollte Der Song hat instinktiv diese Beatles-Phrase verwendet und sie ohne besondere konzeptionelle Absicht modifiziert – diese implizite Leichtigkeit, diese Hingabe an Zufälligkeit und Zufall bei der Konstruktion der Songs kann selbst bei Klang- und Gesangsstrukturen klar erfasst werden, die beim ersten Hören komplex erscheinen können oder – um einen Begriff zu verwenden, den Holter zu Recht verabscheut – zerebral. „Seit ich angefangen habe zu spielen und zu komponieren, ist mein grundsätzlicher Ansatz immer derselbe geblieben und habe alles alleine in meinem Schlafzimmer gemacht. Ein, wenn man so will, etwas kindischer Ansatz eines begeisterten Amateurs. Natürlich habe ich mir im Laufe der Jahre technische Fähigkeiten angeeignet und kann die Ideen, die ich im Kopf habe, den Musikern, die mit mir zusammenarbeiten, präziser mitteilen, aber die Unmittelbarkeit bleibt weiterhin ein grundlegender Bestandteil.“
Das Album knüpft an den Faden der Diskussion an, die zurückgeblieben ist Voliere, erschienen im mittlerweile „fernen“ Jahr 2018, ein ehrgeiziges Werk, das sich als Höhepunkt von Julias musikalischer Entwicklung präsentierte und von vielen als eine Art grandioses künstlerisches Statement beurteilt wurde. Etwas, das schwer zu überwinden ist. In Etwas im Raum, das sie bewegt klugerweise stellt er sich das Problem nicht, er umgeht es und geht beiseite. Die Stimme, der Modus Operandi, die Klanggerüste, in denen Improvisationen mit jazziger oder neoklassischer Note gemischt werden, Stimmschichtungen, Synthesizer, Samples, Feldaufnahmen und Melodien, die oft gar nicht so unmerklich sind, selbst wenn sie die Konsistenz eines haben Traum, sind immer erkennbar. . Aber der thematische Fokus, der immer wiederkehrt und die Lieder miteinander verbindet – der Körper, unsere Reaktionen darauf und umgekehrt, Liebe in all ihren Facetten, Fluidität, verstanden nicht in einem spezifisch sexuellen Sinne, sondern als konstanter Geisteszustand und gleichzeitig als flüssige Umgebung, in der Worte und Notizen fließen, verleiht dem Werk eine eigene, besondere Physiognomie, die es uns ermöglicht, Vergleiche mit dem Rest des holterschen Korpus zu vermeiden (um beim Thema zu bleiben).
„Ich glaube nicht, dass das eine Platte ist, die ich vor fünf oder zehn Jahren hätte machen können. Abgesehen von dem offensichtlichen Thema meiner Entwicklung als Musiker hat alles, was ich in den letzten vier bis fünf Jahren erlebt habe, einen entscheidenden Einfluss gehabt. Die Geburt meiner Tochter, der Tod meines 18-jährigen Enkels, die Pandemie. Etwas im Raum, das sie bewegt Es ist auch eine Möglichkeit, meinen Platz inmitten all dieser Veränderungen zu finden, die mich und das, was um mich herum ist, verändert haben. Manche glücklich, manche tragisch. Der Körper, oder besser gesagt wir als Menschen im Körper, ist sicherlich ein zentraler Punkt. Als ich schwanger war und nach der Geburt meiner Tochter die Signale meines Körpers spürte, musste ich in einer Situation, die ich nicht kannte, an mich selbst denken. Es ist nicht nur die Interaktion mit unserem eigenen Körper, sondern auch mit denen anderer. Physischer Kontakt. Die Anwesenheit eines Körpers, der vorher nicht da war, meiner Tochter, und die plötzliche Abwesenheit von Körpern, geliebter Menschen, die sterben. Und denken Sie dann darüber nach, was mit der Pandemie passiert ist: Unser Körper könnte von einem fremden Element befallen werden, und der Körper anderer könnte seine Überträger sein. Im Grunde liegt jedoch die ständige Suche nach einem Gleichgewicht, das nur durch die Liebe gelingen kann.“
Neben dem Körper scheint ein weiteres Konzept wichtig zu sein, das mit einem anderen Titel in Holters Diskographie in Verbindung steht – Im gleichen Zimmerlive im Studio, das die Songs von neu interpretierte Habe dich in meiner Wildnis von 2015 – ist das von Zimmer, was im Englischen die doppelte Bedeutung von Raum und Raum hat. “Sicherlich, Zimmer Es ist ein Wort, das mich besonders berührt. Schließlich könnte das Bedürfnis nach Raum, genau verstanden im Sinne eines physischen Raums, um beispielsweise Musik zu machen, nach der Geburt meiner Tochter ein Problem gewesen sein. Der Raum ist eine Umgebung, die Geborgenheit und häusliche Wärme hervorrufen kann, gleichzeitig aber auch ein Bereich sein kann, in dem wir uns eingesperrt, manchmal sogar gefangen fühlen. Im Allgemeinen ist die Umgebung, in der meine Lieder entstehen, sehr wichtig. Ich versuche immer, mich in die Umgebung hineinzuprojizieren und umgekehrt. Die Möbel, Geräte, Gegenstände und materiellen Dinge, die in der Musik mitschwingen, sogar im wörtlichen Sinne.“
In diesem Zusammenhang gibt es unter den neuen Liedern eines mit einem besonders eindrucksvollen Titel: Gegenstand. Sogar seltsam widersprüchlich, denn es handelt sich tatsächlich um eine der ätherischsten bzw. „immateriellsten“ Kompositionen des Albums. «Ich weiß nicht, ob es ein gewollter Kontrast ist, am Ende hat sich das Stück so entwickelt und wie immer fallen mir bestimmte Zusammenhänge oder Widersprüche erst am Ende auf (lacht). Die Materialität der Welt reizt mich wirklich, aber ich wollte auch das Konzept in seinen Wurzeln erforschen, weshalb der Titel auf Lateinisch ist. In Etymologien finden wir die primäre Bedeutung von Wörtern, ihre Beziehung zur Realität. Ich bin fasziniert von der Assoziation mit Mutterals ob die Materie eine große Mutter wäre, aus der die Dinge geboren werden …“
Und hier kommen wir zur Frage der Weiblichkeit (oder um Natalie Mering/Weyes Blood zu zitieren, eine Künstlerin, die viel Wert auf diesen Aspekt, das Weibliche, legt) in der Musik. Ein unvermeidbares Thema, insbesondere im zeitgenössischen kulturellen und politischen Kontext, bei dem jedoch immer die Gefahr besteht, dass es zu Trivialisierungen und falschen Kategorisierungen kommt, insbesondere wenn es ein Mann ist, der es anspricht. Wie steht Julia Holter zum Thema? «Ich weiß nicht, wie sehr ich mich als Feministin definieren kann, zumindest nicht im konkreten Sinne einer Aktivistin. Dies sind Themen, die mir offensichtlich am Herzen liegen, wie jede Frau, die ich mit Sexismus und patriarchalischen Einstellungen konfrontiert habe, aber es sind keine Themen, die ich in den Liedern direkt anspreche. Die Entstehung eines neuen Bewusstseins, auch eines radikalen, ist grundlegend, aber dann geschieht alles durch persönliche Erfahrungen und wird durch diese gefiltert. Bei mir geht es darum, eine Frau zu sein, eine Künstlerin, heute auch eine Mutter, aber da ist noch viel mehr. Ich versuche, dieses weibliche Element im musikalischen Ausdruck hervorzuheben, wie Sie sagten, vor allem im Sinne des Gleichklangs und der Vereinigung zwischen Frauen. Es ist zum Beispiel auf dem neuen Album dabei Ich duin dem ich fünf Frauenstimmen zusammenstelle, die dieselbe Melodie modulieren und dieses Wort wiederholen, was zu einer Art Mantra wird.
Foto: Camille Blake
Apropos Ich du, fällt mir eine Referenz ein, die ziemlich weit von Julias Welt entfernt ist, und das ist kein anderer als David Crosby. Tatsächlich erinnert das Lied in seiner Schichtung der Stimmen, die eine fast unkörperliche Dimension erreichen, an bestimmte Experimente von Wenn ich mich nur an meinen Namen erinnern könnte. „Wissen Sie, dass ich diese Platte noch nie gehört habe? Du hast mich jetzt neugierig gemacht (lacht). Ein Künstler, den ich eigentlich im Sinn hatte, ist Robert Wyatt, insbesondere Alben wie Talsohle und Lieder wie Meereslied, die ich liebe. In meiner Art zu komponieren bin ich, anders als Sie vielleicht denken, sehr altmodisch. Die Samples, die rhythmischen Muster, die gefundenen Klänge sind alles Dinge, die später kommen: Im Allgemeinen beginnt alles damit, dass ich eine halbe Stunde lang auf den Keyboards improvisiere und mich dabei um eine Melodie oder eine Gruppe von Akkorden dreht.
Sprechen Sie sehr langsam, Julia Holter. Er vermittelt den Eindruck, jedes Wort abzuwägen, als stünde er immer vor einer Entscheidung, die Zeit und Nachdenken erfordert. Man fragt sich, ob dies auch der Grund dafür ist, dass er – abgesehen von den persönlichen und kollektiven Ereignissen der letzten fünf Jahre und einer kreativen Blockade, die glücklicherweise ohne allzu viele Traumata überwunden wurde – sechs Jahre brauchte, um weiterzumachen Voliere. Sicher ist, dass Perfektionismus und die edle Einstellung, nur dann etwas zu erschaffen, wenn man wirklich inspiriert ist, Eigenschaften sind, die in die entgegengesetzte Richtung gehen im Vergleich zu den Fließbandbedürfnissen der vom Streaming dominierten zeitgenössischen Musikindustrie und dem Bedürfnis, immer zu sein in irgendeiner Weise präsent sein.
„Es ist etwas, mit dem ich nicht nur völlig aus dem Gleichgewicht geraten bin, sondern das ich auch für äußerst gefährlich für die Zukunft der Künstler halte.“ Die Mentalität von Leuten wie Daniel Ek (der CEO von Spotify, Hrsg) ist beunruhigend und Streaming hat ein toxisches Modell eingeführt, das in irgendeiner Weise neu kalibriert werden sollte. Es müssen nachhaltige Lösungen zum Schutz von Musikern gefunden werden, das ist das Hauptziel der Gewerkschaft United Musicians and Allied Workers, in der ich mich engagiere. Diese Verpflichtung, immer da zu sein und kontinuierlich zu produzieren, ist das genaue Gegenteil dessen, was der kreative Prozess sein sollte. Künstler müssen sich Zeit nehmen, sich von ihren Erfahrungen leiten lassen, sie verarbeiten und versuchen, sie in eine persönliche Sprache zu übertragen. Aber genau: Es braucht Zeit. Wer braucht Leute, die 100 Songs im Jahr veröffentlichen? Für wen ist das? Und dann diese Obsession mit der öffentlichen Präsenz in den sozialen Medien. Inhalte erstellen, online hochladen, sofort weitere erstellen, erneut hochladen … wir sind an dem Punkt angelangt, an dem wir Künstler als Inhaltsanbieter betrachten, und das ist ehrlich gesagt absurd.“
Die Zeit, einschließlich des für das Interview vorgesehenen Raums, wird knapp. Und die freie Zeit, die man sich von den Verpflichtungen eines Künstlers (und einer Mutter) nehmen kann, um sich neuen Lektüren, Visionen und Zuhören zu widmen, die als Inspiration für zukünftige Werke dienen, ist unserer Meinung nach nicht viel. Aber gab es etwas, das Julia Holter nach Fertigstellung des Albums auffiel? «Ich bin in letzter Zeit tatsächlich sehr langsam beim Lesen geworden. Ein Buch, das mich in den letzten Monaten sehr in seinen Bann gezogen hat, ist Der Hundertjährige Krieg gegen Palästina von Rashid Khalidi. Es hat mir auch geholfen, viele Aspekte der aktuellen Situation zu klären und zu verstehen, wie mitschuldig mein Land an der Tötung Tausender Palästinenser war und ist. All das macht mich enorm wütend. Was das Zuhören angeht, und vielleicht besteht da ein Zusammenhang, habe ich mich in letzter Zeit so intensiv wie möglich mit arabischer Musik beschäftigt. Vor allem im Hinblick auf Gesang und Gesang.“
