„Die erhabene Nonne der Kunst / überträgt das Unsichtbare / auf die erhabenen Leinwände / und mit abgestuften Gesten / und nicht weniger beredt / als die der Propheten / schildert sie wesentliche Räume / des Farbspektrums; / Seelen der Farbenergie / Fahnen von / Das Ziel seines Bogenschützen / fixiert sie auf den Oberflächen, / die Harmonien der Abstraktion / Die Transparenzen erhellen sie, / und verdunkeln sie manchmal / um sie für die Sinne profan zu machen des Realismus“.
Es bedurfte eines Dichters, der mit Frauen befreundet war, wie Valentino Zeichen, einem Wahrsager mit Gespür für die Schätze der Kunst, um die Essenz des Werkes von zu beschreiben Carla Accardi (1924-2014), Einer der Protagonisten der Nachkriegskunst, der es siebzig Jahre lang verstand, die Sprache der zeitgenössischen Abstraktion mit einem originellen Zeichen, das der Zeit widerstehen sollte, zu erneuern und zu transformieren.
Das zeigt die großartige Retrospektive, kuratiert von Daniela Lanciani und Paola Bonanni, die bis zum 9. Juni im Palazzo delle Esposizioni in Rom zu sehen ist und anlässlich des 100. Geburtstags der Malerin von Präsident Marco Delogu nachdrücklich unterstützt wird. In sieben prächtigen Räumen ausgestellt, ermöglichen uns etwa einhundert Werke aus dem Accardi Sanfilippo-Archiv, aus den großen nationalen und internationalen Museen und von einer Reihe privater Sammler, das außergewöhnliche Abenteuer dieses Mädchens aus der guten Bourgeoisie von Trapani nachzuvollziehen, das dazu bestimmt war nichts für das Rampenlicht der Kunst.
Mit knapp über zwanzig Jahren verlässt Carla Accardi, kleines Gesicht, strahlendes Lächeln und eiserner Wille, Sizilien, um in Florenz zu studieren. Von dort zog er nach Rom, kam mit Gino Severini und einer Gruppe junger Künstler in Kontakt, die im Atelier von Renato Guttuso verkehrten (Ugo Attardi, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, der ihr Ehemann werden sollte, und Giulio Turcato). ). Als einzige Frau in der Gruppe gründete sie Anfang 1947 gemeinsam mit ihnen „Forma I, Monatsschrift der bildenden Künste“ und lancierte damit im Stile der Futuristen ein Manifest für neue Kunst: „Wir bekennen uns zu überzeugten Formalisten und Marxisten.“ dass die Begriffe Marxismus und Formalismus nicht unvereinbar sind.
Und es ist eine echte Überraschung, im ersten Raum der Ausstellung mit dem Selbstporträt nach dem Vorbild von Raffael, dem Stillleben mit kubistischen Bänden und dem Blick auf einen Tennisplatz ein einzigartiges Merkmal seit Beginn zu entdecken , hier zum ersten Mal ausgestellt, mit dem heftigen Kontrast zwischen dem Rot der gestampften Erde, dem Grün der Bäume, dem Mitternachtsblau des Himmels. Dann kommt die Abkehr vom Figurativen mit dem Anspruch, die dekorative Funktion allerdings auf revolutionäre Weise mit der Malerei zu assoziieren. Tatsächlich ist es dringend erforderlich, „die objektive Existenz der Dinge“ aufzuwerten und das Leben zu verbessern, auch wenn der Bezug zur Realität dann im Kaleidoskop vielfarbiger Splitter und geschlossener Formen verschwindet, die sich ausdehnen und zusammenziehen, „… ein plastisches Magma, das sich immer am Rande des Wandels bewegt“, um die Worte von Achille Bonito Oliva zu zitieren. Darüber hinaus ist es Accardi selbst, die den ständigen Wandel der Dinge mit ihren Gegensätzen, ihrem Elend, ihren Freuden und Konflikten als Sinnhorizont ihres Werkes erkennt.
„Mein Ziel ist es, den lebenswichtigen Impuls darzustellen, der in der Welt ist“, gesteht er dem Amerikaner Hereward Lester Cooke, Kurator der römischen Ausstellung von 1955, und Carla Lonzi, der radikalen und feministischen Kritikerin, mit der ihn eine schmerzhafte Militanz verbindet. Accardis Malerei zielt ebenso wie die räumlichistische darauf ab, die elementaren Kräfte der Welt durch eine Art symbolische Zeichensprache auszudrücken. So überwand er im Alter von dreißig Jahren eine Krisenzeit, gab die Staffelei auf und begann, mit Schwarz-Weiß-Malerei zu experimentieren, indem er begann, grafische Zeichen mit Farbe auf eine auf dem Boden ausgebreitete Leinwand zu zeichnen. So wurden „Der Schütze auf Weiß“, „Das Labyrinth“ und „Die Siege“ geboren, ikonische Werke, die ihr dank Michel Tapié und Pierre Restany internationale Berühmtheit einbrachten (die mit ihren kritischen Schriften auch in der großartigen Anthologie vertreten sind, die dem von Quodlibet gedruckten Katalog beiliegt).
Aber das Experimentieren hört nicht auf und der neue Kurs, der durch die Explosion der Farben gekennzeichnet ist, betrifft Zeichen, Symbole und sogar Materialien wie „Sicofil“, das in Rollen verkaufte transparente Acetat, mit dem Carla Accardi der objektiven Existenz der Dinge Platz macht , die die Grundlage des weiblichen Zustands enthüllt. Hier ist das Zelt, das 1965 in Turin ausgestellt wurde und heute im Besitz des Musée Georges Pompidou ist, das Dreifachzelt, das 1971 in Rom ausgestellt wurde, und die überlappenden, durch Umkehrung der Farben bemalten Blätter, die den Verzicht auf das Gemälde und die Entmaterialisierung des Gemäldes markieren das Gemälde, um das Werk mit einem bewohnbaren Raum im menschlichen Maßstab in Einklang zu bringen. „Ein kleines Ding, das direkt da stand“, wird Carla Lonzi sagen. „Eine offensichtliche Sache, geboren aus einer einfachen Idee“, wird Accardi mit der Souveränität einer etablierten Künstlerin sagen, die bescheiden bleibt, und einer Frau aus Trapani, die sich selbst nicht ernst nimmt. Eine schöne Lektion in Freiheit, die nicht nur für die zeitgenössische Kunst unvergesslich ist.
