Eine Blume, die zwischen den Falten des Asphalts geboren wurde. Die Geschichte von Roberto Barni, ein international bekannter Künstler, dessen Werke in Museen wie den Uffizien, der Tate Gallery in London, dem Queens Museum in New York, um nur einige zu nennen, zu sehen sind, ist ausgesprochen ungewöhnlich und spricht die geheimnisvolle Sprache des Lebens selbst. „Ich bin aus mir selbst hervorgegangen“, sagt Barni, der 1939 auf dem Land in Pistoia als Kind bäuerlicher Eltern geboren wurde, die sich einen so ungewöhnlichen Weg für ihren Sohn nie vorgestellt hätten: der letzte, der mehrere Jahre getrennt vom ersten geboren wurde, ein Bruder und drei Schwestern zeigte Roberto sofort eine große Leidenschaft für das Zeichnen, verbunden mit einer ganz besonderen Intelligenz und Neugier.
In Wirklichkeit hat sein Vater, der Klarone in der Borgognoni-Band von Pistoia spielt, diesem Sohn mit „himmlischen Ambitionen“ wahrscheinlich einige Keime der Kreativität eingeflößt, während seine Mutter, eine intelligente und sensible Frau, „die Skulpturen „fixierte Menschen“ nannte. , eine „schöne Idee“ – lehrt ihn, die Natur, die ihn umgibt, zu lieben und die Schönheit der Orte, an denen er aufwächst, zu erfassen.
Während seiner High-School-Zeit, als er widerstrebend die Schule als Agrarexperte besuchte, verbrachte er seine Zeit damit, auf den Seiten von Büchern zu zeichnen, was die Lehrer verärgerte: „Ich hatte das Gefühl, dass das nicht meine Bestimmung war“, erklärte er. Und tatsächlich begann er gleich nach seinem Abschluss zu malen, zunächst große monochrome Stoffleinwände in Rot.
In Pistoia schloss er seine ersten wirklich wichtigen Freundschaften: mit dem zukünftigen Architekten Adolfo Natalini und mit dem Künstler Gianni Ruffi, eine authentische Dreierbruderschaft: „Trotz unserer Vielfalt verband uns ein starkes Gefühl“, das ihn ein Leben lang in seinem künstlerischen Schaffen unterstützte. Entschlossen, seiner Berufung nachzugehen, beschließt er, seine Tätigkeit mit einem Selbstporträt zu feiern, das in die Geschichte eingehen wird, einem Foto, auf dem er wie ein neuer Don Quijote einen Trichter als Hut und einen offenen Regenschirm als Schutzschild trägt : „Ein häuslicher Held mit einer großartigen Vision vom Leben in einer alltäglichen Dimension“, erklärt er.
Ein Impuls des Herzens, eine Begeisterung, die in einer Welt, in der der Künstler marginal ist, keine unmittelbare Reaktion hatte und die ihn, einen emotionalen jungen Mann mit einer heroischen Leidenschaft für die Kunst, dazu veranlasste, sich ein paar Jahre später neben ihm erneut zu fotografieren zu seinem eigenen Nachruf: „Michelangelo schuf die Pietà im Alter von 22 Jahren und den David im Alter von 25 Jahren: In unserer Zeit muss der Künstler enorme Anstrengungen unternehmen, um anerkannt zu werden.“
Seine Gemälde und die beiden Bilder wurden jedoch in der berühmten Florentiner Galerie Numero di Fiamma Vigo ausgestellt, einer nonkonformistischen Persönlichkeit, die die innovativste Kunst der Zeit förderte und die Barni 1961 anlässlich einer internationalen Ausstellung kennengelernt hatte abstrakte Kunst in Pistoia, an der er zusammen mit einigen vom Galeristen vertretenen Künstlern teilgenommen hatte. Die Landung in Florenz verschaffte ihm eine andere Sichtbarkeit und vor allem Kontakt zu Menschen mit einer ähnlichen Sensibilität wie er, wie zum Beispiel dem Künstler Alberto Moretti, der ihm von der Gemeinde ein Stipendium in Höhe von einer Million Lire (was in den sechziger Jahren wirklich viel war) verhalf von Florenz, das seinerzeit verdiente Künstler unterstützte; im Gegenzug schenkte Barni einige Werke den städtischen Sammlungen, die jetzt im Novecento-Museum ausgestellt sind. Aber vor allem trifft er hier die Frau seines Lebens, die er als seine Beatrice definiert, Sara Menghetti, eine Germanistin, die ihn durch ihre Intelligenz und Liebesfähigkeit beeindruckt: „Als ich sie sah, dachte ich: „domine non sum dignus““ , erklärt er, immer noch voller Emotionen in seiner Stimme, obwohl mehr als ein halbes Jahrhundert vergangen ist. Mit ihr, die er 1967 kennenlernte und nie wieder verließ, pflegte er seine große Leidenschaft für Musik und Poesie und gründete eine Familie bestehend aus Selva, einem Fotografen, und Tommaso, einem Architekten.
Seine Arbeit schreitet voran, er schließt weitere anregende Freundschaften, wie zum Beispiel die mit dem aufgeklärten Sammler Giuliano Gori, der zunächst einige Gemälde von ihm kaufte, als er noch kein etablierter Künstler war, und für den er später die berühmte Skulptur „Stumme Diener“ schuf begrüßt die Besucher am Eingang des Celler Bauernhofs: „Ich war in Beckett verliebt, und dieses Werk ist von seinem „Warten auf Godot“ inspiriert, dessen Figuren das außergewöhnliche Warten in Statik verwandelt in einem Tisch darstellen. Ein Zustand, der den Menschen betrifft“, kommentiert der Künstler.
Und wieder die Zusammenarbeit mit Spoerri, für dessen Garten er die Skulptur „Continuo“ schuf, eine Hommage an Barnis große Liebe zur Barockmusik: „Es ist die visuelle Übersetzung des Barockbogens, der auf den Saiten hin und her geht, um das zu erzeugen.“ Klang: Die beiden Figuren steigen und fallen aufeinander zu, wie in Bachs Kontrapunkt.
Barni erforscht alle Ausdrucksmittel, sogar Künstlerbücher, von denen er zahlreiche Versionen schafft, oft in illustrer Zusammenarbeit – Piero Bigongiari, Andrea Zanzotto, Cesare Mazzonis – dann direkt mit seinen Gedichten, kleinen Haikus, die er weiterhin schreibt. 2013 bat ihn der damalige Direktor der Uffizien Antonio Natali, anlässlich des zwanzigsten Jahrestages des Massakers in der Via dei Georgofili eine Skulptur zu schaffen. Anstatt an die Trauer zu erinnern, zelebriert Barni das Leben der Menschen, die bei dem Anschlag verschwunden sind, und erschafft eine große, mit Blattgold bedeckte Figur, die fünf weitere Charaktere trägt, um die sonnige Präsenz der Opfer darzustellen. Trotz Ausstellungen auf der ganzen Welt hat Roberto Barni sein Selbstverständnis nicht verändert: „Ich bin Künstler, weil ich das Bedürfnis verspüre, nicht weil es jemand bestätigt.“ Erfolg definiert uns nicht, es sind nur wir, die ihn schaffen. Kunst, die es nicht gibt, ruft uns, es ist wie ein Wunder, wenn ich ein Werk schaffe, bin ich der erste Benutzer davon“, erklärt er. Denn für ihn ist Kunst nicht nur ein Job, sondern eine Existenzmöglichkeit, eine bessere Welt zu schaffen. „Ich möchte einfach immer Kunst machen, auch während eines Gesprächs. Nur wir können die Realität erschaffen: Wenn das Universum existiert, dann deshalb, weil wir es bestätigen“, schließt er.
Tags: seine Werke befinden sich auch der Tate Gallery London und Queens Museum York Tirreno
