Bird, die Rezension des Films von Andrea Arnold

Es gibt Filme und es gibt Filme von Andrea Arnold. Wie auch immer sie kopiert, zitiert und gewürdigt wird (denn man kann leicht von „Independent-Kino“ sprechen), sie ist die einzige zeitgenössische Autorin, die in der Lage ist, die Kraft der Geschichte, die mit der Kraft der Bilder verbunden ist, am besten hervorzuheben. Und das geschieht durch ein ständiges Spiel mit Gegensätzen: Brutalität und Süße, Schönheit und Hässlichkeit. Eine Konstante in seinem Kino (das Sie in finden Amerikanischer Honig der erklärendste Titel), eine Konstante seiner Sprache, die, obwohl sie weltweit missbraucht wird, letztendlich berührt wird Vogel neue Formen und neue Wege, ohne jemals übertrieben zu wirken, was dann zu einer Trainingsreise mit außergewöhnlich surrealen Zügen werden wird, basierend auf einer animalischen Allegorie (schon im Titel), die die Leistungen ihrer äußerst gefragten Interpreten widerspiegeln wird (und hier haben wir sie). einige sind außergewöhnlich).

Es scheint trivial, es zu schreiben, aber Vogel, im Wettbewerb von Cannes 2023 präsentiert, ist ein Film mit einem sehr starken filmischen Nachhall. Mehr noch, es ist mehr der Film filmisch unter all denen, die der britische Regisseur inszenierte. Eine Autorin in ständigem Kontakt mit der künstlerischen Freiheit, die ihre Geschichten mit einem klaren und unbehaglichen Blick konstruiert und uns eine Realität mit einem sehr bitteren, giftigen Geschmack vor Augen führt. Doch hinterher Vogeles gibt eine andere Odyssee: eine Reise des Wissens, der Begegnungen, des wiederentdeckten Lichts. „Das war mein schmerzvollster Film, aber er hat mir bewusst gemacht, wie außergewöhnlich das Leben ist.“, wird der Regisseur am Vorabend der Weltpremiere sagen. Ein Zitat, das vielleicht für eine Rezension ungeeignet ist, aber das Paradigma hinter einem Werk mit notwendigen und ehrgeizigen Unvollkommenheiten am besten entlarvt.

Vogel, von halluzinogenen Fröschen und verschwendeten Leben

Denn dann, erklärt Arnold, führt Perfektion zu nichts. In den Kratzern und Unregelmäßigkeiten verbirgt sich das Geheimnis der Schönheit. Vielleicht reagiert der Regisseur aus diesem Grund auf eine wütende und berüchtigte Welt, indem er das wählt riesige Augen von Nykiya Adams, einer großartigen Newcomerin, die Bailey spielt. Eine Zwölfjährige, die in einem besetzten Haus in Kent im Südosten Englands lebt, zusammen mit ihrem Bruder Hunter (Jason Buda) und ihrem sehr eigenwilligen Vater (um es milde auszudrücken) Bug (Barry Keoghan, besser und besser), der Roller fährt und Blur hört, während er versucht, eine Kröte dazu zu bringen, eine halluzinogene Substanz zu erbrechen. Kurz gesagt, nicht der beste Vater der Welt, aber auch nicht der schlechteste. Baileys Leben, das mit einer unterdrückten sexuellen Unentschlossenheit zu kämpfen hat, ist unzusammenhängend, fragmentiert und zerknittert. Seine Mutter Peyton (Jasmine Jobson) lebt mit ihren beiden anderen jüngeren Schwestern am anderen Ende der Stadt, in einer Gegend, in der sich ihr gewalttätiger Mitbewohner äußerst unwohl fühlt. Irgendwie sucht Bailey nach einer Reaktion, oder vielmehr nach einem Platz in der Welt. Und wenn es um erzählerische Klarheit geht, dann nimmt der Film (im wahrsten Sinne des Wortes) Fahrt auf, als sich das Mädchen mit einem freundlichen und verlorenen Streuner anfreundet, der sich tatsächlich Bird (Franz Rogowski) nennt.

Der Himmel von Andrea Arnold

Und es ist der seltsamen Freundschaft zwischen Bird und Bailey zu verdanken, dass das Werk in seinem zweiten Teil beginnt (in Cannes mit einem Rohschnitt, also einer Vorbearbeitung präsentiert), und seinen Blick noch weiter auf eine verstopfte Geographie richtet von Deformation und Verzauberung. Ein präziser ästhetischer Schlüssel sowie eine Erzählung, unterstützt durch Joe Binis Schnitt und Robbie Ryans bleierne Fotografie (schließlich sind wir in Kent!). Eine Tonart, die Andrea Arnold zumindest teilweise in einem emotionalen Aufruhr revolutioniert, der keine Zeit für Tränen oder Lächeln lässt und jene surrealen Noten zischt, die an Märchen erinnern, zusammengefasst in der einnehmenden Harmonie eines Liedes, das oft wiederkehrt: Das Universelle von Blur.

Wenn der Film also seinen Lauf genommen zu haben scheint, wirbelt die Anwesenheit von Bird (einem extravaganten Menschen, der uns oft fragen lässt, wo er herkommt) die Geschichte auf und bringt uns, wie Bailey, dazu, die Augen zu verdrehen. Derselbe Himmel, der für Arnold zur perfekten Bühne wird (sie hatte es bereits mit American Honey getan: Andrea Arnolds Himmel sind die besten), der ihr hilft, die Stärke eines Kinos zu steigern, das durch Bilder, Reize und Emotionen funktioniert, ohne es zu wollen Um Geld zu sparen. Der HimmelFür den Regisseur und den Protagonisten wird es ein Treffpunkt sein, das Ende und dann der Anfang. Das lysergische Streben nach Staunen, weit entfernt von einer Wahrheit, die sich dem Drama nicht entzieht oder das, was da draußen ist, versüßt, sondern uns vielmehr in eine bebende Hölle begleitet, in der die Handkamera nicht vorwegnimmt, sondern folgt, als ob sie es wäre ein Wächter, der bereit ist, uns zu beruhigen und uns zu umarmen. Das ist Bird, ein Film, der uns daran erinnert, wie wichtig drei einfache Worte sind: Alles wird gut.