„El Paraíso“: Fiumicino-Kolumbien (Warten auf „Der Prophet“) mit Enrico Maria Artale

Zwei „schwere“ Auszeichnungen bei Venezia 80, bestes Drehbuch und beste weibliche Leistung in der Orizzonti-Sektion. Es dauerte eine Weile, bis es im Zimmer ankam El Paraíso, der wunderschöne Film von Enrico Maria Artale, der von einer krankhaften Mutter-Sohn-Beziehung erzählt, kleinen Profis im Drogenhandel in einem surrealen Fiumicino (auch mit der Musik von Nicolas Jaar). Der Film läuft seit dem 6. Juni in den Kinos und wir hoffen, dass er zu den Titeln gehört, die in den Genuss der von der Regierung geforderten Werbeaktionen kommen, von „Cinema in festa“ bis „Cinema Revolution“. Protagonist Edoardo Pesce, auch mitverantwortlich für die Entstehung von El Paraísowie mir der Regisseur selbst erzählte, während eines Gesprächs auf der Achse London-Paris, wo sich Enrico aus Gründen befindet, die er am Ende des Interviews verrät.

Enrico, woher kommt die Geschichte? Soweit ich weiß, wird die Idee mit Edoardo geteilt.
Mittlerweile ist es aus unserer Freundschaft entstanden. Wir trafen uns bei meinem ersten Film, Die dritte Hälfte, in dem Edo eine kleine Rolle spielte. Wir wurden sehr gute Freunde und sagten uns ab und zu: „Es wäre schön, gemeinsam einen Film zu machen.“ In der Zwischenzeit haben wir uns zum Herumalbern getroffen, und in Wirklichkeit ist so die Idee für den Film entstanden. Wir waren im Morgengrauen völlig betrunken bei mir zu Hause und redeten verrückt. Edoardo ist ein Kraftpaket an Ideen, er erzählt einem immer tausend Dinge, die oft in ein Ohr rein und wieder raus ins andere Ohr gehen. Stattdessen ging mir in diesem Fall das Licht auf, als ich über eine Mutter-Sohn-Beziehung sprach, die ich komplexer und emotionaler erlebte als er. Und ursprünglich sollte es die Geschichte eines Elvis-Fanatikers sein, der seine Mutter nach Graceland mitnehmen wollte, cool, aber mit einem anderen Horizont. Die Idee hinter diesem schwierigen Trauerprozess faszinierte mich jedoch und ich fügte meine Lebenserfahrungen hinzu, die einer langen Reise nach Kolumbien, wo ich sehr starke Kontakte zu diesem Land geknüpft hatte. Und da die Idee schon immer eine Reise beinhaltete, entstand aus diesem Gespräch der Kern des Films.

Der Film erzählt von einer dreifachen Sucht, der zwischen Mutter und Sohn, einer nach der Substanz und der dritten nach dem, was macht El Paraíso ein fast ferrerianischer Film, eine Variation des Themas Fleisch. Haben Sie beim Schreiben darüber nachgedacht?
Nein, nicht direkt, sagen wir mal, ich war besessen von der Körperlichkeit, oder ich würde sogar sagen, um es noch weiter zu verdrängen, von der Physiologie. Deshalb gibt es im Film auch jede Menge Essen. Nicht, dass es programmatisch gewesen wäre, aber irgendwann wurde mir klar, dass ich immer wieder Szenen schrieb, in denen wir gleichzeitig aßen, tranken und Drogen nahmen. Ich war besessen von all den Einstellungsprozessen und das brachte mich dazu, die Kamera ganz nah an ihren Körpern, ihren Händen, ihren Bäuchen und nicht nur ihren Gesichtern zu haben. Es gibt viel Körperkontakt zwischen den Charakteren, natürlich beim Tanz, aber nicht nur. Es handelt sich nie um einen sexuellen Kontakt, weil ich daran interessiert war, einen Film zu machen, in dem Sex eine ständige Anspielung ist, ein Krypto-Inzest, ein unterdrücktes Verlangen gegenüber der Mutter, gegenüber dem Sohn, gegenüber dem Mädchen, das ankommt.

Sie haben die Chemie des perfekten Hauptdarstellerpaares gefunden. Margarita Rosa de Francisco ist fabelhaft. Wo hast du es gefunden?
Auch das ist eine lange Geschichte. Es hat sehr lange gedauert, den Film zu schreiben, sieben Jahre, zwischen Covid, Schwierigkeiten bei der Finanzierung und allem anderen. Und die Hälfte dieser Jahre habe ich beim Schreiben an diese Schauspielerin gedacht, die mich einem Kolumbianer vorgestellt hatte und mir auf YouTube Videos von einer Art Webserie zeigte, die sie kürzlich gemacht hatte, weil Margarita in ihrer Jugend vor allem dank Soap enormen Ruhm erlangte Opern in Kolumbien und Mexiko. Dann hat er wenig getan, er hatte keine Gelegenheit. Als ich mir diese Videos ansah, in denen sie eine großartige Schauspielerin spielt, interessierte ich mich für die Figur und schrieb jahrelang mit ihr als Referenz, ohne zu wissen, ob ich sie haben könnte. Wir kontaktierten sie, sie war begeistert, Covid bereitete uns Probleme, aber es gab ihr mehr Zeit, Italienisch zu lernen, weil sie kein Wort konnte, genau wie Edoardo kein Wort Spanisch konnte. Eigentlich wollte ich diese Sprache schaffen, die eine Mischung aus Spanisch und Romanisch ist, auch weil es mir Spaß machte, dass Roman dem Spanischen mehr ähnelt als dem Italienischen selbst. Ich wollte, dass sie ihre eigene Sprache sprechen, die die Blase, in der sie leben, zum Ausdruck bringt. Als sie in Rom ankam, sprach sie Italienisch, hatte aber noch nicht den nötigen Charakter, auch weil sie eine sehr elegante Frau ist und nicht jemand, der vierzig Jahre in Fiumicino gelebt hat. Ausschlaggebend waren diese vier Probenwochen, in denen Edoardo und Margarita fast jeden Abend gemeinsam zum Abendessen gingen, um sich auszutauschen und zu reden. Wir haben viel Zeit in dem Haus verbracht, in dem wir gedreht haben, um es zu ihrem Zuhause zu machen. Es gab eine totale Immersionsarbeit. Ein paar Tage vor Beginn der Dreharbeiten hatte Edoardo während einer Probe diese etwas autoritäre Haltung, er gab Anweisungen, und da reagierte sie, sie wurde wütend, sie konnte es nicht mehr ertragen. Er fing an zu schreien, da er ein wenig in der Szene und ein wenig in der Realität war. Und da habe ich verstanden, dass wir die Chemie gefunden hatten, von der Sie gesprochen haben, dass etwas passiert war, das in der Szene nicht vorhergesehen war, aber die Beziehung begründet hatte, weil auch Edoardo in die Figur eingetreten war.

Apropos Schauplätze: Natürlich gibt es Anklänge an Pasolini, Fiumicino und das Fischerdorf, aber in Wirklichkeit könnte es sich um das Po-Delta oder Castel Volturno handeln, und diese gemischte Sprache trägt auch dazu bei, dass die Atmosphäre viel universeller und weniger begrenzt und definiert wird.
Ich wollte weggehen, nicht aus Voreingenommenheit. Ich hielt es für wichtig, dass sie in einer Art Phantasmagorie lebten, einem nostalgisch nachgebauten Winkel Kolumbiens an der Mündung des Tiber, einem Anderswo, wie Sie sagten. Der Fluss als symbolisches Element, aber nicht unbedingt der römische Fluss, Wasser als Übergangselement und damit auch die Bedeutung ihres kleinen Bootes. Jedes Detail war wichtig.

Wenn sie nach Graceland gegangen wären, wären sie wahrscheinlich über den Mississippi dorthin gelangt.
Natürlich, absolut. Der Fluss ist ein gewaltiger literarischer Topos, der Höhepunkt der Suche nach dem Ursprung, der flussaufwärts geht. In den ersten Versionen des Drehbuchs war dies weiter entwickelt, auch im kolumbianischen Teil gab es eine Fahrt auf dem Fluss, dem Rio Magdalena, dem wichtigsten Fluss Kolumbiens, und die Figur der Mutter heißt Magda. Dann wurde das alles sublimiert, aber die Bedeutung des Flusses und der kleinen Bootstransfers, die er macht, blieb bestehen. Der zweite Grund, den ich Ihnen genannt habe, war die Arbeit an dieser hybriden Identität. Heutzutage wird so viel Wert auf die Identität in ihren nationalistischen Deformationen gelegt, als wäre sie etwas, das es zu bewahren gilt. Aber unsere Geschichte, und nicht nur die der Italiener, ist eine Geschichte hybrider Identitäten, und das trifft heute aus mehreren Gründen umso mehr zu, angefangen bei den Migrationsströmen, die durch eine andere Art des Reisens ermöglicht wurden. Dies ist eine Geschichte von illegaler Einwanderung und Einwanderung, aber eine andere, denn Magda ist tatsächlich eine illegale Einwanderin, aber dank des Drogenhandels. Das stellen wir uns vor. Die Möglichkeit, über hybride Identitäten zu sprechen, scheint mir die interessanteste Möglichkeit zu sein, auch Pasolinis Szenarien weiterzuentwickeln. In Wirklichkeit leben in diesen Vierteln Menschen aus aller Welt: Südamerikaner, Rumänen, Afrikaner. Dieser Schmelztiegel ist eine Bereicherung, auch in musikalischen Mischungen. Mir ging es darum, das alles zu erzählen, ohne einen sozialen Film machen zu müssen, in dem die Beschreibung sozialer Umgebungen einen gewissen Naturalismus aufweist. Ich wollte es in eine universelle Geschichte verwandeln.

El Paraíso Es ist auch schwierig, es einem Genre zuzuordnen, und das ist aus meiner Sicht auch gut so, denn in gewisser Weise ist es ein guter Noir, aber auch ein Familiendrama mit Horrornuancen. Es ist eine fließende Geschichte, die sich ständig verändert und deshalb auch in Venedig internationale Anerkennung gefunden hat.
Das, was Sie mir erzählen, gefällt mir wirklich gut, es fasziniert mich auch im Hinblick auf andere zukünftige Projekte. Diese Fluidität, die Genres bzw. Spannungen und Anspielungen auf Genres vermischt, ohne den Film auf ein bestimmtes Genre rahmen zu können, erscheint mir sehr zeitgemäß und faszinierend. Es scheint mir auch eine natürliche Art zu sein, mit dem Betrachter zu spielen und eine Geschichte zu erzählen, ohne sie in eine Schublade zu stecken und ohne sich von den Regeln heutiger Algorithmen diktieren zu lassen. Beim Schreiben ist es manchmal eine schwierige Entscheidung, denn plötzlich kann etwas Ihre Hand zu weit in eine Richtung bewegen und Sie müssen sie behalten. Es ist, als hätte man viele Zügel in der Hand, aber es ist ein Weg, dem man folgen muss.

Die Definition eines Genres hängt auch von der Optik ab: Atmosphären, Lichter und Farben ändern sich je nach Stimmung der Charaktere und den Wendungen der Geschichte. All dies umhüllt die Geschichte und hilft uns, in sie einzudringen.
Wissen Sie, ich liebe Cassavetes, um über einen Klassiker zu sprechen, aber auch Derek Cianfrance, der zeitgenössisch ist, der aber in gewissem Sinne diese Art von Erzählung und Inszenierung verfolgt. Aber auch Autoren wie James Gray und Michael Mann haben schon immer Entscheidungen dieser Art getroffen und dem Film Atmosphären verliehen, die von den Emotionen der Charaktere herrühren. Eine sehr amerikanische Sache, die jedoch auch die Nouvelle Vague hervorbrachte und bis heute andauert. Das gleiche Anatomie eines Sturzes Es ist ein Familiendrama, gemischt mit einem Thriller und einem prozeduralen Film.

Das hat Jacques Audiard immer getan.
Audiard ist einer meiner Mythen. Ich bin gerade in Paris, weil ich die darauf basierende Serie drehe Der ProphetIch bearbeite es bereits und bin erschöpft, aber es ist ein wunderschönes Projekt. Audiard ist ein Regisseur, der sich in der Tradition des französischen Polarfilms etabliert, aber auch vieles neu erfunden hat.

Abgesehen davon, dass ich absolut nicht wusste, dass du an dieser Serie arbeitest, denke ich an Filme wie Auf meinen Lippen Und Alle Schläge meines Herzens, sie sind alle Mélo, die sich in Polar verwandeln, die sich in etwas anderes verwandeln. Darüber hinaus, wenn Sie einen Moment darüber nachdenken, Der Prophet Es ist auch ein Film, der Sie vielleicht unbewusst inspiriert hat.
Ich liebe es und es ist für mich eine ständige Inspiration für den Film, an dem ich gerade schreibe. Nehmen wir also an, es spricht mich an. Aber als ich diese Serie gemacht habe, habe ich sie mir noch einmal angeschaut, ich weiß nicht wie oft Der Prophet. Und durch das Studium ist das mit Audiards Kino nun zu einem inneren Dialog geworden.