„Abstrakte Kunst ist kein Dogma, sondern ein Bekenntnis.“ So schrieb Hanna Stirnemann im Dezember 1932 in „Die Weltkunst“ und rezensierte zwei Ausstellungen des jungen Malers Otto Hofmann, der gerade sein Studium am Bauhaus in Dessau abgeschlossen hatte. Klar. Was die junge Kunstkritikerin, spätere Ehefrau und Mentorin Hofmanns selbst sowie Direktorin des Stadtmuseums in Jena – und die erste Frau, die ein Museum in Deutschland leitete – bezog, war die grundsätzlich subjektive Natur der in ihm verwendeten Zeichen und Formen abstrakte Malerei, gemäß den Intuitionen und Vorschriften, die jetzt von Malern und Theoretikern wie Klee und Kandinsky ordnungsgemäß entwickelt wurden, und im Gegensatz zu den Ideen einer konkretistischen Ausrichtung, die von Theo van Doesburg postuliert wurden, für den der Abstraktionismus eine bloße Manifestation exakter Formen war. messbar, exquisit mathematisch.
Und es ist kein Zufall, dass Hofmann die Kurse der beiden Giganten besucht hatte – Klees über die primäre Raumbildung, Kandinskys über abstrakte Elemente und analytisches Zeichnen –, die nach seinem eine tragende Säule des Lehrprogramms des Bauhauses bildeten Nach dem Rücktritt von Walter Gropius hatte der Malunterricht zum Nachteil der Handwerksbetriebe an Bedeutung gewonnen.
Hofmann so zu behandeln, als wäre er niemand geringerer als einer der vielen Schüler des Bauhauses, und sich langsam der Kunst seiner Meister anzuschließen, wäre jedoch ein unverzeihlicher Fehler, und dies noch einmal zu wiederholen, fünfzehn Jahre nach der letzten großen Ausstellung über den Maler In Italien kommt die Ausstellung Otto Hofmann europäischer Künstler. Dal Bauhaus all’Italia, das bis zum 14. Juli in der Ragghianti-Stiftung in Lucca besichtigt werden kann und seit den neunziger Jahren von Paolo Bolpagni, dem Direktor der Stiftung, und Giovanni Battista Martini, einem hartnäckigen Wiederentdecker von, doppelt kuratiert wird das Werk eines deutschen abstrakten Künstlers.
Das Bauhaus stellt somit das primäre Umfeld dar, in dem Hofmann sein Bewusstsein festigt, dass die sogenannte literarische Kunst nun ausgedient hat und der Sprache der abstrakten Kunst weichen muss, die später als konstruktivistisch definiert wurde: Es ging darum, etwas Neues sichtbar zu machen spirituelle Sensibilität durch eine Form mit der man auf geheimnisvolle Weise verbunden ist. Und so beginnt der Ausstellungsrundgang zwischen Erinnerungsstücken aus dem Archiv – den Notizen aus den Unterrichtsstunden von Klee und Kandinsky, dem 1931 von Mies van der Rohe unterzeichneten Diplom –, Neuinterpretationen der Forschungen der Meister, darunter Oskar Schlemmer, und den Versuchen, ein Mehr zu definieren persönlicher formaler Wortschatz und Grammatik.
Hofmanns kontinuierliche Aktualisierung anderer abstrakter Bildtexte – unter Mitwirkung seiner Frau Hanna, lässt auf Bolpagni schließen, der kultiviert und von Beruf immer auf dem neuesten Stand neuer Entwicklungen ist – führte ihn ab den 1930er Jahren dazu, seinen persönlichen Stil zu integrieren, indem er Elemente aus Kompositionen von Bolpagni entlehnte Internationale Künstler wie Mirò, Arp, Léger, Tanguy und Landsleute wie Willi Baumeister haben sich stets einer Konstruktionsmethode des Raums verschrieben, die sowohl auf der von Klee gelernten Dynamik der formalen Keimung als auch auf Kandinskys Idee basiert, dass Formen und Farben ein Feld von schaffen psychoaktive Kräfte im Gemälde. Manchmal kann man in manchen Werken auch eine faszinierende Unentschlossenheit gegenüber den Beweisen einer äußeren Realität spüren, meist einer Ansammlung von Architektur, einer Stadtlandschaft, die sich fast mitten in einem Destillationsprozess zum Abstrakten befindet.
Ab 1933 war Hofmann in eine Kette unglücklicher Wechselfälle verwickelt, die durch die Machtübernahme der NSDAP ausgelöst wurden – eine ihrer ersten Maßnahmen, die, wie wir uns erinnern, die Schließung des Bauhauses anordnete. Zuerst wegen seiner politischen Positionen angegriffen, dann seine Kunst als unternehmungslustig und degeneriert gebrandmarkt, wird er zu einem jahrelangen Wander- und Abgeschiedenheitsleben gezwungen, auch um seine Frau, eine Jüdin, vor den Rassengesetzen zu schützen. Schließlich wird er in die Wehrmacht eingezogen und an die Front in Frankreich, Griechenland und Russland geschickt, wo er bis zum Ende des Konflikts in Gefangenschaft bleibt. In einigen schmerzhaften Gemälden, in einer Reihe von Fotografien von teilweise zerstörten Landschaften und Städten und in einer Auswahl außergewöhnlicher gemalter Briefe an Freunde und Ehefrau bleiben Spuren von Gefangenschaft und Krieg erhalten. „Für mich als Maler stellten diese Briefe und Zeichnungen“, erinnerte sich der Künstler viele Jahre später, „eine Art Geheimschrift dar, die ein Beweis für meine innige Fremdheit gegenüber dem Krieg ist (…) für mich gab es keinen Feind, der ihm gegenüberstand.“ war notwendig, um zu vernichten ».
Überraschenderweise kehrt in diesen Zeichnungen dieses hypnotisierende und seltsame Wechselspiel zwischen abstrakter Sprache und Figuration zurück, das hier fast zu einer Meditation darüber wird, wie sich das von ihm entwickelte formale Muster so gut dazu eignen konnte, diese Landschaften, die aus entkernten und reduzierten Gebäuden bestehen, in ein Abstraktes zu übersetzen Sprache bis hin zu Flächen aus verbrannten Baumstümpfen und Trümmern, aus Stacheln, Splittern und scharfen Spitzen. Andererseits zwang die russische Landschaft, schneebedeckt, grenzenlos, wo das Auge verloren ging, den Künstler, sich auf den Prozess der spirituellen Verinnerlichung zu konzentrieren.
Während der Nationalsozialismus seine Malerei als entartet verboten hatte, lehnte die neue Regierung der DDR sie nach dem Krieg ab, weil sie nicht realistisch und daher mit den Anforderungen an Klarheit und Lesbarkeit, die Kunst für das Volk haben sollte, unvereinbar war, und Hofmann war gezwungen, umzuziehen West lebte zwischen Paris – wo er Alberto Magnelli und Michel Seuphor traf und das Atelier mit Alberto Giacometti teilte –, Brüssel, Cagnes, München und Berlin, der Stadt, in der er zwischen den sechziger und siebziger Jahren an der Hochschule für bildende Kunst lehrte. Seine Lehrtätigkeit wird jedoch noch immer von seiner Ausbildung am Bauhaus geprägt sein, ebenso wie der multidisziplinäre Ansatz, den ihm das deutsche Institut vermittelte, unweigerlich seine Begeisterung für die Keramikproduktion prägen wird, die in der Ausstellung durch einige späte Hutschenreuther-Werke dargestellt wird Porzellane.
Seine formalen Utensilien werden weiter wachsen, eine bulimische und unstillbare Neugier, die auch auf Forschung achtet, die weiter vom Abstraktionismus entfernt ist, bis hin zur Einbeziehung surrealistischer oder informeller Anklänge. Es wird Ligurien und insbesondere die Stadt Pompeiana sein, die den Rückzugsort der letzten zwanzig Lebensjahre des Malers darstellen und seine Erfindungen zu einem beispiellosen kompositorischen Gleichgewicht des Raums und zu einer Klarheit führen werden, die kaum zu übersehen ist zum Zenitlicht des Südens.
