Es gibt nur wenige Künstler in Italien, die so viel und fruchtbar über die digitale Welt und ihre plötzliche Entwicklung und künstlerische Anwendung nachgedacht haben wie Davide Maria Coltro (Verona, 1967), bekannt als „Erfinder des elektronischen Panels“. Dieses elektronische Gemälde – das durch seine Teilnahme am italienischen Pavillon auf der 54. Biennale von Venedig berühmt wurde – weist der Mediensprache abstrakte Konnotationen zu und kodiert grundlegende Elemente (wie Bits und Pixel) in einer neuen synthetischen und philosophischen Kombination. Jetzt ist seine neueste Produktion bei zu sehen MA*GA Museum Von Gallarate.
Davide Coltros Ausstellung im MA*GA
Kuratiert von Alessandro Castiglioni mit dem kritischen Beitrag von Elena Pontiggia (geöffnet bis 1. September 2024), die Ausstellung Medienabstraktion steht in Kontinuität mit einer breiteren Analyse der abstrakten Kunst, von dem Konkrete Kunstbewegung zur analytischen Malerei. Coltro interpretiert diese Themen als den Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft, die neuen kognitiven Grenzen der Visual Studies und die Neudefinition der Beziehung zwischen Kunst und Spiritualität, eine Perspektive, nach der das Museum hier zu einem Ort der Kontemplation wird. Parallel zur Ausstellung möchte der Künstler in direkten Kontakt mit der Öffentlichkeit treten und sich einerseits mit seinen eigenen Werken, die in über die Stadt verstreuten digitalen Totems übertragen werden (gemäß dem Konzept von „Civic“), mit dem Stadtgefüge von Gallarate verbinden Framework“ bereits 2006 in Shanghai eingeführt); zum anderen die Kombination der Ausstellung mit einem permanenten Workshop-Programm zum Verhältnis von technologischer Körperlichkeit und digitaler Immaterialität.
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Das Interview mit Davide Maria Coltro
Wie unterscheidet sich Ihre jüngste Produktion von historischen Werken?
Am Anfang experimentierte ich mit dem Malen mit alternativen Materialien, nach einiger Zeit entwickelte ich eine Leidenschaft für die digitale Malerei und für Drucktechnologien: Dadurch entstand die Intuition, Displays als Leinwände verwenden zu können, nicht mehr als Orte zum Projizieren von Bildern, sondern als Geburts- und Geburtsoberflächen Transformation der Malerei. Lange Zeit begleitete mich eine gewisse Distanz zur abstrakten Kunst, die mir als Rest erschien, mich aber in den letzten Jahren völlig erfasst hat. Amerikanischer abstrakter Expressionismus, konstruktivistische Strenge, kinetische und programmierte Kunst, europäische analytische Malerei sowie relationale und öffentliche Kunst flossen in den Aufbau meines wackeligen Kulturgebäudes ein. Es war, als würde man vor einem Neuanfang stehen, bei den Stäben und Punkten beginnen. Einige Serien kann ich bereits als Eckpfeiler der ersten Etappe dieser Reise betrachten, die 2018 begann: Streicher, Diapason, Mosaik, Metropolis, Code.
Wie würden Sie „Malerei jenseits der Materie“ definieren?
Kunst entsteht aus Bedürfnissen, die oft nicht durch Worte und Konzepte ausgedrückt werden können, und wird wiederum übertragen, indem sie Reize erzeugt, die den Geist bewegen, ohne notwendigerweise den rationalen Teil in Frage zu stellen, der die Sprache formuliert. „Malerei jenseits der Materie“ nutzt Prinzipien, die der traditionellen, durch elektronische und Informationstechnologien medialisierten Malerei gemeinsam sind: Der Monitor wird verwendet, um chromatische Felder zu erzeugen, die laminares Licht aussenden, die Farbe ist sichtbar, wird aber nicht materiell auf der schillernden Oberfläche abgelagert, weil, um Nicholas Negroponte zu zitieren, Dieses Gemälde hat sich von „Atomen zu Bits“ entwickelt, dank des Codes, der vom Quadro Mediale ausgeführt wird und die Pixel in einem ununterbrochenen Medienfluss kontinuierlich neu konfiguriert. Irgendwie bin ich zum Prinzip der Farbunberührbarkeit zurückgekehrt.
Wie passt die Reflexion über Spiritualität in den Kontext der Visual Studies?
Es ist eine interessante und heimtückische Frage, denn es scheint, dass die theoretischen und wissenschaftlichen Dringlichkeiten der Visual Studies keine großen Berührungspunkte mit dem spirituellen Teil des Menschen haben. WJT Mitchell, einer der größten Theoretiker der visuellen Kultur, zählt die Beziehung zu ihren Grundlagen Bild/Bild, wobei „Bild“ die physische Einheit, den Träger oder das Medium ist, das das Bild beherbergt, während „Bild“ eine immaterielle Eigenschaft identifiziert, die Essenz, die ein Bild identifizierbar macht, selbst wenn es von einem Medium auf ein anderes übertragen wird, oder auch nur als mentales Bild. Davon gibt es eine maßgebliche Annahme in der Phänomenologie von Hegel. Ich glaube, dass Visual Studies auch außerhalb ihrer Politik-, Gesellschafts- und Wirtschaftskritik neue Perspektiven eröffnet, die in einem gefilterten und aktualisierten historischen Materialismus verwurzelt sind: Ich berücksichtige die lange Geschichte heiliger Bilder und ihre kommunikative Kraft, mit besonderem Augenmerk auf die Kategorie „ex voto“ und „heilige Reliquien“.
Digitale Kunst nach Davide Coltro
Was ist Ihrer Meinung nach die Richtung der digitalen Kunst? Und welchen Beitrag leistet künstliche Intelligenz in diesem Szenario, wenn überhaupt?
Die digitale Kunst, die ihre Aktivitäten in den 1970er und 1980er Jahren mit experimentellen Praktiken und Zwecken begann, die sich von den aktuellen völlig unterschieden, verfügte über eine engagierte und kohärente theoretische Komponente. In unserer heutigen Zeit wurde es mit Mitteln bereichert, die im Vergleich zur künstlerischen Reflexion, die meiner Meinung nach mit diesen beschleunigten Szenarien nicht synchronisiert ist, zu weit fortgeschritten sind. Mit Ausnahme einiger weniger Künstler, die eine engagierte und kohärente Forschung betrieben haben, sind wir in eine Flut von Spektakulärisierungen verwickelt, die zur Unterhaltung, zum visuellen Design und zur Kreativität gehören, aber wenig zur Kunst. NFTs waren der Lackmustest einer Oberflächlichkeit, die viele verwirrt hat. Um Ihre Frage zu beantworten, denke ich, dass eine systematische theoretische Reflexion seitens der Künstler notwendig ist, die vom Joch der Technologie und ihrer Versklavung befreit sind. Ohne diese Bemühungen wird es schwierig sein, der Banalitätsspirale zu entkommen, die das Aufblühen bedeutender und ausgereifter Werke in Bezug auf diese neuen Medien verhindert, die metabolisiert und nicht nur in ihren sozialen Auswirkungen zerlegt und klassifiziert werden müssen. Willkommen bei der KI, die die Synthese des betreffenden technologischen Fortschritts darstellt. Sie sollte als Werkzeug betrachtet werden, wenn auch außergewöhnlich fortschrittlich, ohne Eigenheiten oder irrationale Impulse. Es wird ein Begleiter in der Zukunft sein, und ich glaube, dass dieser Prozess auch jetzt noch unumkehrbar ist. Es wird viele Veränderungen wie eine große Welle geben, auf der man besser surfen kann, als sich von ihr überwältigen zu lassen.
Wie haben Sie das in China vorgestellte Konzept des Civic Framework an die Umgebung (und die Bürger) von Gallarate angepasst?
Viele Jahre sind vergangen, seit ich dieses Experiment zur Erweiterung des Ausstellungsraums versucht habe. Es ist notwendig, die unterschiedliche Anordnung der „Remote Artistic Terminals“ zu berücksichtigen, die von einer großen Anzahl von Menschen gesehen werden können, ohne dass sich einer von ihnen für den Zugang zu einem bestimmten Ausstellungsort entschieden hat: Es wird eine relationale Landkarte gezeichnet, die das heterogene Publikum einbezieht Transit, das Werk selbst als Medienfluss, die Zustimmung der Verwalter öffentlicher Ressourcen, der von der Gemeinschaft erlebte Stadtraum und schließlich der Künstler als Ursprung des Prozesses. Mit großer Großzügigkeit hat das Kulturdezernat alle verfügbaren digitalen Informationspunkte mit konkreten bürgerschaftlichen und kulturellen Aktionen zur Verfügung gestellt. Diese mittelformatigen Totems, vertikal und am Boden verankert, können wie die im MA*GA Museum ausgestellten Werke aus nächster Nähe betrachtet werden. Der Unterschied in der Nutzung ist im Vergleich zu den großen Bildschirmen, die ich 2006 in Shanghai verwendet habe, erheblich, da eine genaue Beobachtung ein größeres Einfühlungsvermögen zwischen der Arbeit und ihren Benutzern schafft. Malerei in einen digitalen Fluss zu verwandeln, ist das Projekt, das ich seit 25 Jahren entwickle. Meine Botschaft wiederholt, dass Kunst ein Wert ist, der das Leben antreibt, und ich denke, dass es ein Weg ist, den man bis zum Ende verfolgen muss.
Ist Ihre Kunst „schwierig“? Wollen Sie mit dieser Einzelausstellung Profis ansprechen oder lieber ein breiteres Publikum erreichen?
Ich glaube nicht, dass man von einer „schwierigen Kunst“ sprechen kann, meine Werke hatten immer eine ästhetische „Abschirmung“, die sie bei der heterogensten Öffentlichkeit sehr beliebt gemacht hat, ein Aspekt, der diejenigen getäuscht hat, die es nicht geschafft haben, sie zu überwinden diesen Filter. Wahrscheinlich haben der geringe Gebrauch und eine allgemeine kulturelle Distanzierung zur Entstehung lexikalischer und semantischer Lücken beigetragen, die viele von der ersten Interpretation abhalten. In den letzten Jahren wurden zwei Veröffentlichungen mit informativer, aber wissenschaftlich engagierter Absicht veröffentlicht, um die Erwartungen zu nähren, die im Zusammenhang mit den Ergebnissen meiner Forschung gewachsen sind. Sie wurden von Alberto Fiz und Elena Pontiggia verfasst und haben sich beide als sehr nützlich erwiesen, um den Interpretationsrahmen zu füllen Lücken. Das MA*GA-Projekt möchte nun die Missverständnisse bei der Lesart des alten Szenarios beseitigen und arbeitet gemeinsam mit dem Kurator Castiglioni, Pontiggia und anderen Kritikern an einem Band, von dem wir hoffen, dass er eine Interpretationsquelle für dieses neue, völlig „Nicht“ sein wird -objektive” Untersuchungslinie. Die Ausstellung stellt nur einen Teil des Projekts dar, das die Nutzung und das Verständnis meiner Arbeit erleichtern und die Erfahrung durch speziell vorbereitete pädagogische Workshops und Führungen teilen soll. Das ehrgeizige Ziel besteht darin, sowohl Fachleute als auch die breite Öffentlichkeit zu erreichen.
Giulia Giaume
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